Capítulo 23. RETRATOS DEL POMPIDOU Y GAULTIER: MIRANDO DENTRO PARA PLASMARLO FUERA.

Ya hace unos meses que acudí a la primera visita privada para bloggers en la Fundación Mapfre Cultura, en su sede del Paseo de Recoletos (Madrid). La última cita fue el pasado jueves 22 de noviembre y las exposiciones a visitar "Retratos: Obras Maestras del Centre Pompidou" y "Jean Paul Gaultier. Universo de la Moda: de la Calle a las Estrellas" (ambas hasta el 6/1/2013). Como siempre, es un placer asistir acompañados por Paula y Javier y por diferentes guías, y da gusto comprobar que a la iniciativa cada vez se unen más bloggers.

Modigliani "Retrato de Dédie 1918

El Recorrido comenzó por la planta baja donde inicia la muestra de los retratos del Centre Pompidou. Esta exposición ha sido comisariada por Jean-Michel Bouhours (Centre Pompidou) y nos da una visión del género del retrato a lo largo del siglo XX. Está compuesta por 80 obras, principalmente pintura, aunque también cuenta con esculturas y dibujos. 

Brancusi "Musa Dormida" 1910

El sentido de la visita está diseñado cronológicamente pero, es interesante resaltar, que existen ejes transversales que la articulan, como por ejemplo: "la sala de las mujeres". Comprobamos que el género del retrato sufre, a partir de la llegada de la fotografía, un cambio sustancial, pudiendo los artistas abandonar la copia fiel del modelo/naturaleza (mímesis) para dar rienda suelta a la subjetividad tanto del retratado como del propio artista. Se captarán rasgos psicológicos, se mostrarán todos los estratos sociales (prostitutas, trabajadores, artistas), se dejará salir la visión del artista, a veces crítica, del personaje que se retrata, representando la fealdad, en muchos casos.

Bacon "Autorretrato" 1971

Saura "Retrato Imaginario de Tintoretto" 1967

El gran peso de la exposición recae sobre las vanguardias históricas aunque se muestran obras fechadas hasta el año 2001.

El montaje es impecable, como siempre, pero me gustaría resaltar la iluminación que combina una luz ambiental, con la iluminación individual de cada pieza, sirviéndose de unos focos especiales que actúan con lentes parecidas a las de las cámaras de fotos. Éstas crean un efecto espectacular, consiguiendo que las  obras parezcan retroiluminadas, o quizá, proyectadas sobre la pared.

Currin "The Moroccan" 2001

Esta exposición tiene verdaderas obras maestras de grandísimos artistas, entre los que resaltaría a Modigliani, Picasso, Bacon, Tamara de Lempicka, Derain, Dubuffet, Saura, Giacometti, Currin, Brancusi...

Dubuffet "El Vigilante" 1972

"Estamos hechos de mil ojos. La ilusión es el yo que pretende ser uno" Jean-Bertrand Portalis

Decir que, en un principio, la exposición de J. P. Gaultier no me llamaba especialmente la atención. ¡Qué equivocada estaba!.

Comisariada por Thierry-Maxime Loriot y coordinada por Paula Susaeta, todo en esta muestra es un despliegue de ingenio, imaginación, creatividad y medios. Si alguien dudaba de que las tareas de comisariado, montaje de exposiciones o la propia moda, podían ser obras de arte, en ella cualquier objeción se disuelve. ¿Espectacular? Sí, lo es, y además arriesga, comunica, entretiene, divierte (¡mucho!)... No puedo ocultar que disfruté como hacía mucho tiempo.

La retrospectiva, al contrario que la exposición de los retratos del Pompidou, no se organiza de forma cronológica, sino entorno a unos nudos temáticos que mezclan desde sus primeros diseños  prêt-à-porter, aún en materiales digamos "pobres", con diseños de alta costura. En total más de 125 conjuntos que se acompañan con vídeos, bocetos, fotografías y obras (de A. Warhol o Cindy Sherman como algunas familiares del propio Gaultier) que nos meten de lleno en el universo creativo de este artista que sacó al mercado sus primeras prendas en 1976. Éstos nudos temáticos son: 

-La Odisea De J.P Gaultier

-El Tocador

-A flor de piel

-Punk Cancán

-Jungla Urbana

-Metrópoli

-Jean Paul Gaultier y Pedro Almodóvar

En cada uno de estos nudos los modelos siguen una lógica, un discurso. Nos encontramos con sus marineros. sirenas y vírgenes, la ropa interior sublimada y llevada al exterior, la colaboración de Jean Paul con el mundo de la música pop o la danza (todos tenemos en la cabeza los corsés con el pecho en forma de cono que hizo para Madonna y que la estrella luciría en diferentes tours), la influencia de las diversas tribus urbanas o la de culturas alejadas del mundo occidental.

Los maniquíes están vivos, nos hablan, Gaultier saluda al visitante, algunos hasta cantan y nos tiran besos. Cada sala, cada detalle está cuidado al milímetro, consiguiendo ambientes cambiantes, diferentes, desde un escaparate hasta una pasarela o un camerino. Cada tocado está realizado de forma artesanal por un pequeño negocio parisino que trabaja con el modisto, cada par de zapatos es único, como cada prenda del modisto, algunas de ellas, con más de 1000 horas de costura a mano.... Y así podríamos seguir hasta el infinito, pues la vista se pierde en la cantidad de pequeños y pensados objetos, obras, que ocupan cada espacio.

Como es normal, en la selección de obras se ha dado relevancia a esos modelos en los que el artista deja sentir la influencia española. Cuentan que aunque a él le horrorizaban los toros, cuando venía de vacaciones siendo un niño a España, procuraba ver los trajes de los toreros que tanto les fascinaban. Se expone, incluso, el osito de peluche al que hizo sus primeros diseños. ¡Ojó!, el sujetor cono ya lo diseñó con cartón para su osito Nana.

Sólo hay una cosa que no me gustó, y no fue exactamente de la muestra: ¡¡¡supe que algunas chaquetas y camisas de Kurt Cobain son creación de Jean Paul!!!! Lo siento, fue duro, destrozaron la imagen de mi ídolo adolescente ;).

"Creo que hoy día la manera de vestirse es una forma de expresión artística. Lo que hacía Saint Laurent, por ejemplo, era arte con mayúsculas. El arte está en cómo se pone el atuendo completo. Fíjese en Jean Paul Gaultier; lo que él hace es realmente arte". Andy Warhol

Cindy Sherman vestida por Gaultier  1983

Si queréis disfrutar de una exposición única, no dejéis de visitarla. El lugar es agradable, los trabajadores amables, y además, es gratuita la entrada. No hay excusas.

Muchas gracias y besos a Paula y Javier

Fotos cortesía de María Sanchez y Fundación Mapfre Cultura.

Capítulo 22. ARTE COTIDIANO.

El día 10 de noviembre tuvo lugar la inauguración simultánea de las exposiciones que conforman el proyecto #ArteCotidiano. La idea nació de la asociación cultural cacereña @lemonycoco, que nos ofreció la oportunidad de participar a diversos comisarios (no sé si añadir "noveles"), organizando las exposiciones en distintas ciudades españolas.

"Arte Cotidiano" pretende acercar la obra de jóvenes artistas al público en general, sacándola de los espacios expositivos habituales, descontextualizándola e introduciéndola en negocios de barrio y pequeños comercios como floristerías, peluquerías o tiendas de ropa. Con ello también se pretende impulsar a estos pequeños negocios, darlos a conocer, y de camino como no, hacer lo mismo con los comisarios. 3 patas para un banco, eso es.

Las 3 ciudades fueron:

-Cáceres, con Montaña Hurtado y Miki Gázquez como comisarios. La artista elegida ha sido la fotógrafa Beatriz Ballesteros y se ha llevado a cabo en la floristería "Naturadecor"

-Gijón, donde la comisaria fue Semíramis González, que a través de la asociación cultural "Grito", ha organizado una exposición colectiva en diferentes tiendas de ropa (Alouette, Daniela Sierra, Marisa del Castillo, Tamar, It, Scalpers, Trench y Toscana) contando con los artistas Begmont, Breza Cecchini, Elisa Torreira, Rocío Pinin y Rodrigo Martín.

-Granada, siendo yo la comisaria (@Via_di_uscita). Escogí para este proyecto al pintor y grabador Juan Jesús Dueñas Ruíz y la exposición tiene lugar en la peluquería Esperanza Muñoz.

Me decidí por Juan Jesús por tener una obra que trabaja de manera concienzuda, perfeccionista en cada milímetro, cuidada. La técnica y realización es de 10, pero no sólo eso, es un artista que investiga sobre técnicas de grabado no tóxico como el collagraph, sin olvidar la transmisión de sensaciones, la expresión que fuera de lo técnico, aporta a la obra. A través de la abstracción está buscando su propio lenguaje, analizando el poder de comunicación de la línea, el color, la mancha.

Las obras elegidas no sólo fueron grabados. También seleccioné 5 obras pictóricas de técnica mixta. El espacio expositivo, la peluquería Esperanza Muñoz, aún sin ser muy amplio, ofrecía buenas posibilidades por estar bien compartimentado, lo que me daba la oportunidad de hacer nudos temáticos, no sólo por estética o técnica, sino también, un recorrido prácticamente narrativo: desde sus primeras ideas sobre lo abstracto, hasta las obras donde ya domina la abstracción, e incluso, se vuelve a acercar a la representación de lo real. Por otro lado, la luz podía ser dirigida en muchos de los puntos que más me interesaban, consiguiendo así acentuar las características de algunas piezas. Por último, me parecía indispensable colocar un texto de pared en la primera "sala" que orientase y explicase a los clientes qué significaba la exposición y el proyecto.

El montaje nos llevó 3 días y, la verdad es que fue muy divertido ya que, mientras montábamos la peluquería estaba abierta al público, por lo que aprovechábamos para charlar y explicar la exposición a todas las clientas que se interesaban, y de camino, invitarlas a la inauguración.

Quiero dar las gracias de manera muy especial a Esperanza Muñoz que, desde el primer momento, no sólo cedió el espacio para el proyecto y colaboró en todo, sino que además, a mostrado el mismo entusiasmo e ilusión que Juan Jesús y yo. Verdaderamente ella es de las personas que más está disfrutando con "Arte Cotidiano".

Próximamente en el blog del proyecto podréis ver todos los vídeos de las inauguraciones y desde ya, lo podéis consultar para informaros de todos los artistas, sedes y comisarios.

"Arte Cotidiano" ha sido una experiencia realizada sin patrocinadores ni subvenciones de ningún tipo. Todo lo hemos hecho a base de trabajo y esfuerzo por parte de los implicados, y quizá por ello, es de los trabajos más gratificantes que en mucho tiempo he llevado a cabo.

!Disfrutadlo!

Vídeo de la inauguración de "Arte Cotidiano" en Granada

Capítulo 21. LRM PERFORMANCE: MOVIMIENTO, MÚSICA Y CAPAS DE LUZ.

Creo que soy de las pocas que ha tenido la oportunidad de asistir dos veces a la presentación del nuevo trabajo de LRM performance. Puedo decir, por ello, que he visto tomar forma al proyecto. Bueno, algo así. En cualquier caso, ha sido una suerte.

Trailer LRM

¿Cómo son las performances actuales?. Tras los años 60-70 donde las acciones iban cargadas de significados, reivindicaciones, transgresión, parecía que este tipo de manifestación artística se había sumergido en lo repetitivo, en la copia de fórmulas que habían tenido éxito, en lo aburrido. Las performances que en los 60 mostraban el cuerpo desnudo femenino como reivindicación del necesario paso mujer objeto-mujer sujeto, en su evolución hasta la actualidad, por su insistencia y carencia de un verdadero significado, habían reconvertido el cuerpo en reclamo: performance--->cuerpos desnudos (femeninos sobre todo)--->cuerpo objeto.

Lejos, muy lejos, de estos planteamientos se mueven ellos. La obra de LRM es una cuidada manifestación artística que incluye un elaborado montaje de luz, sonido y movimiento. Durante aproximadamente una hora, te adentras en una atmósfera extraña, ilusoria, de desasosiego que, sin embargo, sientes familiar. Tres personajes, no humanos, no animales, no máquinas o quizá, las 3 cosas, se mezclan y deambulan en un lugar (no lugar) en ocasiones desolador, a veces manso, siempre extraño. En la escena usan sonidos e instrumentos musicales/visuales procesados analógica y digitalmente así como prótesis para los movimientos, empastando las acciones con los elementos sonoros y visuales. Tu mente tiende a crear una historia: presentación, nudo, desenlace, pero los intentos se frustran, quedando las sensaciones, el desconcierto, la expectación. No quedas ajeno y eso es, justamente, lo que ellos pretenden.

Hablando con Berta, David y Maya, los componentes de LRM, entiendes que cada segundo de lo que se desarrolla ante ti, cada movimiento, sonido, material están pensados meticulosamente, al milímetro, ideados solamente para esta pieza, hasta el punto de tener que recorrer la ciudad buscando el plástico ideal, la máquina de humo exacta... Un trabajo durísimo hecho a base de mucho esfuerzo.

Os dejo una entrevista que les hicieron en febrero para que los conozcáis mejor (!pincha!).

En nuestra escena contemporánea deberían "tener lugar" obras como éstas, trabajadas, pensadas, cuidadas. Aquí seguimos creando. Sólo necesitamos que tú nos mires.

Capítulo 20. DAR LA VOZ AL OTRO.

Estos días hemos estado intercambiando ideas en twitter a raíz de la publicación de dos artículos en blogs sobre museología: el de @MuseoGoGreen #ProyectoNoTocar Cómo inventar un museo sin prohibiciones. y el de @sabope Museos, ¿espacios de veneración y de culto o espacios sociales?. En ambos, aunque el tema no es exactamente el mismo, se plantea el distanciamiento existente entre la institución museística y el público, sea por excesivas, constantes y en muchos casos, absurdas prohibiciones que nos imponen en la visita o bien por el aura de lugar sagrado que muchos (la mayoría) de nuestros museos tienen. Al final, el museo sigue siendo "el templo del arte". Por supuesto os animo a leer ambos artículos y a participar con vuestras opiniones. Yo por mi parte intentaré dar lo que considero son las claves para comprender esta situación. Quizá pique. Al menos, eso espero.

En primer lugar, los mismos profesionales son los que establecen esta distancia. En muchos casos por desconocimiento ya que no conocen las estrategias, los recursos, las vías que es necesario activar para llegar al público. El no conocerlas no sirve de excusa en ningún caso, y además, resalta el tipo de profesional que realiza las funciones de museólogo. Y sí, no todos los que trabajan en museos son museólogos (sea por curiosidad e investigación, sea por formación) ni todos los museólogos trabajan en museos. A la vista está. Si sigo profundizando en esta idea puedo extenderme hasta el infinito, y no quiero. Tengo todavía otras ideas que desarrollar pero sí os dejo planteada una pregunta para que, en otro momento si queréis, la contestemos entre todos: ¿es justa la selección del personal en los museos públicos? ¿con el tipo de oposición existente es posible valorar a los candidatos? ¿se consigue descubrir si son capaces de llevar a cabo el trabajo que un museo de hoy requiere? En esta misma línea decir que hacer del museo un lugar de encuentro, reflexión, identidad, interpretación de la realidad, etc, supone que el profesional, digamos, el museólogo (trabaje en el departamento en que trabaje) debe de conocer al público, a la sociedad en la que se encuentra instalado, al visitante que llega de fuera y trae con él otros registros. Ésto ya por sí mismo es un trabajo durísimo que muchos no están dispuestos a hacer simplemente porque dirigen o trabajan en un museo que, con máscaras, vive de espaldas a su ciudad, su barrio, su pueblo. El recortar las distancias entre el museo y el público supone bajar del pedestal, DAR LA VOZ AL OTRO, pues sabiendo a quién nos dirigimos y con quién queremos dialogar podremos abrir los caminos necesarios. Ello requiere de un gran compromiso (también por parte del público, ¡ojo!) y lo que es más importante: estar dispuesto a escuchar, a valorar, a aceptar como útiles otras visiones del mismo hecho que no por no ser de especialistas (¿quién dice que en nuestro público no hay también especialistas?) dejan de aportarnos riqueza. El profesional, sentado en su trono, tiende a infravalorar las opiniones externas y adopta un tono paternalista: escúchame y aprende. QUÉ EQUIVOCACIÓN MÁS GRANDE. Pero claro, si yo soy alguien porque soy de los que sé, y al darte la voz a ti acabas teniendo la misma relevancia que yo, ¿en qué me convierto?... Perder el estatus de élite, ese es el problema.

En muchas ocasiones se culpa de la falta de cercanía a la carencia de medios económicos. Es verdad que nuestro patrimonio, nuestros museos son muchos y ricos, por lo que el dinero siempre es un problema, pero es primordial usar ese dinero en construir comunicación porque recordemos que el patrimonio es público y los museos también lo son. Es responsabilidad de los profesionales del museo y de los que están por encima de ellos, el hacer llegar los contenidos y valores que éstos contienen y acogen. Que lo público sea público y no un escaparate para glorificar a artistas, directores, comisarios, etc. Se debe entender, por tanto, este trabajo como RESPONSABILIDAD CON LA SOCIEDAD, y no como una lanzadera personal. Se puede y se debe optimizar los recursos pues con buenas ideas, con objetivos claros y con un equipo "empastado" que trabaje de forma transversal, se consiguen cosas. Sin duda. No hay que tener miedo a que alguna experiencia no tenga éxito. Siempre será peor no intentarlo.

Estamos hartos de leer estadísticas sobre visitantes a tal o cual museo. Es un dato, cierto, pero no totalmente objetivo, primero porque las estadísticas se falsean. Sí, se falsean. No digo que todas y no digo que siempre. Pero se hace. Segundo porque, que una exposición haya tenido muchos visitantes no quiere decir que haya calado, que haya fidelizado al público, que haya enriquecido. Últimamente los museos públicos parecen más empresas privadas con campañas de publicidad que ya querrían muchos. Eso no es comunicación. Es una camiseta de moda, una canción que suena en la MTV, un libro de autoayuda. No, ese no es el concepto de museo. Esto enlaza con cosas ya dichas: glorificación y lanzaderas personales, disfraces de "somos un servicio público", gastamos demasiado dinero en publicidad pero no tenemos recursos para crear comunicación, escuchar, dialogar. No soy partidaria de tratar a la gente como rebaños ni de hacer que la visita al museo sea "lo que no te puedes perder" publicado en la revista de una peluquería. La visita al museo debe ser voluntaria, hay que estar interesado. No podemos culpar al público de no tener interés si no nos hacemos necesarios. Si sólo les pedimos que vengan cuando nos interesa publicar las estadísticas de visitantes. Os propongo algo: pensad en algún museo al que hayáis ido que, por la forma de exponer e informar, parezca más bien una galería de arte. ¿Lo tenéis? Estoy segura de que cada uno ha visualizado un caso concreto. Bien, pues, con mucha frecuencia, ésto no es una simple tendencia estética. Diría que es más habitual aún en museos y centros de arte contemporáneo. No perdamos de vista que el mercado del arte corre paralelo a estos museos. ¿PARALELO? (...)

El patrimonio, sea en la forma que sea, se degrada. Es una de las labores del museo recogidas por el ICOM (International Council of Museums), el preservarlo y conservarlo. Esta tarea, en muchos casos choca frontalmente con la de difundirlo. ¿Es más importante conservar o difundir?. Es cierto que habría que valorar los casos concretos, pero no es menos cierto que existe la tecnología y los recursos para poder cumplir con ambas. Vídeos, copias, paneles explicativos e interactivos, vitrinas, correcta señalética... Mil formas de difundir sin degradar. Las hay, sólo hay que buscar la que más se adapte a nuestras necesidades. Aún así, la que yo propongo es inmaterial y no corresponde únicamente al museo: la concienciación. Cuando una persona, un grupo, una sociedad se siente identificada con su patrimonio, lo reconoce como propio y lo valora. Es necesario que la sociedad en su conjunto, a través de la cultura y la educación, ponga en valor su patrimonio y vele por él. Parece difícil ahora, ¿no?. Veremos...

Las teorías que defienden un museo verdaderamente social, que revolucionan y piden el cambio, la ruptura con el "museo templo", se vienen dando desde los años 60. Hace más de 50 años de ésto y parece increíble que aún nos sigamos planteando ideas tan arcaicas. Se ha hecho mucho, claro está. Tenemos ejemplos estupendos de ello. Si os interesa leer sobre ésto, os aconsejo el libro de Nina Simon "The Participatory Museum".

Quiero aclarar que en este post hablo en todo momento de museos públicos. Las instituciones privadas tienen distintas connotaciones y es curioso que ellas son muchas veces las que más invierten en este diálogo con el público. Otro tema sobre el que reflexionar, pero eso ya, otro día.

ESCRIBIR

No pasa un día sin que me diga: "Laura, debes volver a escribir". El escribir sobre lo que te gusta, sobre aquello en lo que crees que puedes aportar algo, aunque sea desde un punto de vista muy personal, es liberador, impulsa, da vida, aún más en estos momentos tan difíciles. Esta época donde los obstáculos aplastan, donde la vida se reduce a su mínima expresión, sea por la falta de posibilidades o de ánimo. O ambas.

Hace meses que no escribo y eso no me hace sentir bien, pero supongo que espero el momento en el que escribir signifique algo. No me gustan los rellenos. Escribir me parece una responsabilidad. No os haré perder el tiempo leyendo algo que hasta a mí misma, me resulte insustancial.

Enfrentarse a la hoja en blanco (la pantalla en blanco), a veces da miedo. ¿Qué puedo aportar?. Los días de alejamiento de aquello de lo que creías saber van aumentando, pesan. ¿Cómo evitar que el peso no convierta las palabras en una continua queja?. 

Sigo creyendo que en el arte hay algo que conmueve y mueve. Sigo creyendo que los museos tienen una labor social. Algunos días dudo, pero en el fondo siento que mi sitio está ahí. Que todavía tengo mucho que compartir, aprender, decir, plantear.

Sigo haciéndome preguntas. Quizá ahora más que nunca. Seguiré planteándolas porque entre todos, en el debate y el diálogo, se avanza. Y si no, al menos, establecemos relaciones que nos enriquecen. Eso es todo un logro.

Bueno, éste es mi post de hoy. No es mucho. Es sólo vencer el miedo a la pantalla en blanco. El próximo vendrá pronto.

Feliz vuelta de vacaciones.

Capítulo 19. COMUNICACIÓN 2.0. ENTRE MUSEOS Y PERIODISTAS. UN ESTUDIO DE CLARA MERÍN.

Hoy se ha publicado el estudio que Clara Merín (comunicación en @lacasaencendida) ha realizado a través de diversas encuestas a museos y centros de arte españoles, y periodistas, para dibujar el estado de la relación que entre ambos existe y el uso del 2.0.

Un estudio muy completo que saca conclusiones muy interesantes sobre las carencias y caminos a seguir en busca de una relación más fluida entre ellos y un mejor uso de las herramientas 2.0.

Dar las gracias, a quien corresponda, por reconocer la labor que, desinteresadamente, muchos bloggers llevamos a cabo.

Os dejo el link del estudio: Son de Arte

¡Buena lectura!

Capítulo 18. "A TOURIST IN YOUR MIND"

El día 7 de Junio se inauguró en el museo de Cáceres la exposición de dibujo "A Tourist In Your Mind" del artista cacereño, Alberto Marcos.

"La Arquitectura del Artefacto" (Serie "Eso lo Podría Pensar un Niño")

Antes de todo, me gustaría resaltar que, al margen de las magníficas exposiciones centralizadas en Madrid con artistas consagrados (y muertos), quizá sean las capitales de provincia, más pequeñas, alejadas de los grandes circuitos y por lo tanto, más libres, las que están dando aire fresco y una oportunidad a la gente que empieza, y no sólo me refiero a artistas emergentes como a Alberto, sino también, a profesionales que están detrás de lo que, al final, observamos: comisarios, productores de museografía y organización de eventos, etc. En este caso, quiero resaltar el magnífico trabajo de Montaña Hurtado, la comisaria de la expo, de Miki Gázquez, encargado de la producción del evento. Ambos forman la asociación cultural "Lemon y Coco" que desde hace algún tiempo, básicamente por amor al arte y a la cultura, no paran de dinamizar la ciudad de Cáceres con talleres, cursos, entrevistas y ahora, una exposición. Para ellos, el mostrar al mundo y dar visibilidad a artistas, actores y realidades culturales de Extremadura, es una prioridad. Porque desde los sitios pequeños se pueden hacer cosas grandes, de calidad, de entrega y reconocimiento. Además, hay que resaltar que instituciones de la administración estén abiertas a este tipo de colaboraciones, que debería ser habitual, pero no. En Cáceres, el museo de la ciudad ha sabido ver una oportunidad que beneficia a todos: abrir la sala de exposiciones temporales que dinamiza y remezcla estilos, épocas e historia, apoyar la producción artística local, y a los profesionales que gestionan buenas ideas. Un proyecto redondo en el que todos ganan. Sobre todo la cultura.

"Art Save Us"

La sala de exposiciones temporales del museo de Cáceres, está planteada con un recorrido dirigido de izquierda a derecha y compartimentando el espacio mediante paneles expositivos.  La luz dirigida y suave, pues ésta es la iluminación ideal para el dibujo ya que el papel es tremendamente sensible, la primera sensación que proyecta en el visitante es la de ser una espacio acogedor. Un lugar en el que se puede disfrutar de lo expuesto. El paseo ante la obra de Alberto, se dispone en orden a las diferentes series de dibujos mostradas, bien agrupados (los de menor tamaño) consiguiendo una relación más directa del uno con la parte, es decir, del dibujo con el grupo, o bien, los de tamaño más considerable y mayor relevancia, en solitario en su panel, o en parejas. Todo ello establece relaciones inconscientes, incluso totalmente conscientes y nos lleva a mirar la exposición como un todo, pues tanto la estética, muy vintage con personajes que parecen sacados del Nueva York de los años 20 ó 30, como el contenido de los dibujos, es común: la mirada del artista y sus consideraciones sobre el arte.

"La Autonomía del Arte y Otros Mitos Modernos"

Licenciado en Bellas Artes, Alberto Marcos se encuentra realizando en este momento su tesis en la Universidad de Granada. Estoy segura que a él no le gustará ser clasificado, pero es labor del historiador del arte hacerlo. por ello, diré lo que para mí, son las claves esenciales de su obra:

-Buena ejecución: dominio del dibujo, de las técnicas y materiales (grafito sobre papel, principalmente). Algunas de sus obras están hechas en papel sobre bastidor, lo que añade dificultad, pues el papel tenso sobre el bastidor lo convierte en aún más frágil.

-Realismo, figuración, surrealismo: dibujos figurativos que juegan con el aire vintage de los personajes, con las diferentes dimensiones, con seres mitad humanos- mitad objetos, animales, con paisajes surreales, oníricos que colocan la acción en un lugar y tiempo indeterminados (eternos), con frases que nos marcan el camino a la reflexión, al pensamiento del artista, con guiños a grandes artistas tales como Duchamp, Picasso, Manzoni. Es una obra concienzuda y estudiada, que nos quiere hacer llegar consideraciones sobre el arte, el artista y su mundo, y que pretende que colaboremos. Nos invita a seguir pensado y a sacar nuestras propias conclusiones.

-Series: el encuadrar las obras en series, grupos, nos concreta significados que a su vez, se conectan con todos los demás, consiguiendo un cuerpo completo donde cada parte tiene igual relevancia y da sentido a las demás.

-Crítica: ¿Qué es el arte para Alberto?, ¿cuál es el papel del artista dentro de la gran maquinaria que es el mundo del arte?, ¿cuál es la concepción contemporánea que tiene el público en general sobre lo que es o debe ser el arte?. A éstas preguntas parece dar respuesta, pero nunca será una respuesta cerrada, es una opinión que invita al diálogo. No hay soliloquios, hay conversación sobre un tema tan controvertido como es el arte contemporáneo.

 
 

"La Vanguardia del Arte"

"Manzoni es un Artista de Mierda"

  

"El Discreto Encanto de la Contracultura"

"El Mantra de los Atormentados" (Serie "Eso lo Podría Pensar un Niño")

"Tu Mirada Frívola" (Serie "Eso lo Podría Pensar un Niño")

"Waiting for the Miracle"

Para acabar, os comparto un vídeo en el que hago de reportera totalmente improvisada, donde quedan las opiniones de los asistentes a la inauguración:

Inauguración "A Tourist In Your Mind" Museo de Cáceres

La exposición estará abierta hasta el próximo 28 de Agosto en el museo de Cáceres. No dejéis de ir si pasáis por la ciudad. 

Gracias a: Lemon y Coco, Montaña Hurtado, Miki Gázquez, Alberto Marcos, María Sánchez y Rafael Rodriguez-Varo. Siempre es un placer rodarse de buena gente.