Capítulo 69. RASPA.

                                                      Hay quien dona su cuerpo a la ciencia; yo lo he entregado al arte.

                                                                                                                                                        Orlan.

La Performance Art se ha convertido en una disciplina artística muy difundida en los últimos años y es hoy, más que nunca, cuando el gran público tiene en mente algunos de los principales representantes como Marina Abramović. Ella se ha convertido en ídolo de masas, más aún, desde su colaboración con Lady Gaga a la que impartió clases del Método Abramović. El vídeo resultado de estas clases se convirtió en viral en tiempo récord.

Lejos de las muchedumbres, la Performance Art ha estado, desde que se configurara como disciplina en los años 60, alejada de lo institucional, celebrándose en ambientes intelectuales, o bien, llevándose a cabo en lugares públicos con la intención de remover conciencias, de provocar al transeúnte. Podemos encontrar sus antecedentes en diferentes acciones poéticas y teatrales realizadas por futuristas, dadaístas y surrealistas.

El performer, como bien dice Orlan, entrega el cuerpo al arte, convirtiéndose así en soporte de la obra y, con ello, lo pone a su servicio pintándolo, mutilándolo, travistiéndolo, transformándolo en acción (siendo el cuerpo el que la realiza), en gesto. La desobjetualización artística que se da en la performance, y que la hace partícipe del arte conceptual, supone que ésta sea un arte efímero, imposible de poseer en el tiempo. Es indispensable, por tanto, el documento. Son tanto las fotografías como los vídeos la única huella que queda de la misma y que nos hace posible el estudiarla, investigarla, disfrutarla o, también, comprarla y venderla. Es un arte de emoción y comunicación que establece una relación directa y empática con el público.

Ligada a los movimientos artísticos más transgresores y reivindicativos política y socialmente hablando (prueba de ello son las performances feministas de los años 70 de Susan Lacy, Ana Mendieta o Valie Sport, entre otras), la performance puede reunir en sí misma diferentes categorías: happenings, body-art, behaviour art, action painting, etc, que se diferencian en matices, siendo los elementos aglutinadores el cuerpo y la acción.

Algunos de los principales representantes a nivel internacional son Bruce Nauman, Vito Acconci, Yoko Ono, Gilbert and George, Charlotte Moorman o Carolee Schneemann.

La situación política en España a lo largo del siglo XX hizo difícil el desarrollo de ciertas disciplinas artísticas, la performance es un claro ejemplo de ello. No es extraño, pues, que la mayor parte los performers nacionales sean unos grandes desconocidos entre las personas no especialistas. A pesar de ello, en nuestro país ha habido y hay, artistas dedicados a este arte que no están, ni mucho menos, alejados de las tendencias internacionales.

Como principales representantes podríamos señalar a Joan Brossa con sus accions espectacle o post teatre, en las que el artista juega con la sorpresa y el desconcierto que producen en el espectador sus diferentes acciones; a los integrantes del grupo Zaj, -formado en 1964 por Esther Ferrer, Juan Hidalgo y Walter Marchetti-, que aunque creado como grupo de música de acción, contó con la participación de pintores, poetas y artistas de diferentes disciplinas creativas. Zaj está claramente influenciado por el artista y compositor John Cage y el movimiento artístico Fluxus; o Isidoro Valcárcel Medina que ha hecho de su actividad artística una trayectoria vital, siendo un artista comprometido socialmente, que se aleja de la burbuja económica del arte. Ya desde los Encuentros de Pamplona de 1972 comienza a desarrollar ese papel social del arte, basándose para ello principalmente en el arte de acción, y otorgándole al público el papel de coautor. Podemos entender su filosofía con esta frase: “El arte es una acción personal que puede valer como ejemplo, pero nunca tener un valor ejemplar".

En Asturias, la Performance Art tuvo un representante de peso en panorama artístico nacional. Se trata de Nel Amaro. Fallecido en 2011, fue poeta visual, novelista, dramaturgo y performer, miembro de la Academia de la Llingua Asturiana y considerado uno de los impulsores del Surdimientu, también dirigió las revistas Sapiens y El cuélebre. Artista inclasificable como él mismo decía:

"Creo que todo lo que hago viene a ser lo mismo: teatro, poesía, narración o performances, pero claro está, los criticos, los profesores, periodistas y hasta los vecinos y amigos prefieren siempre simplificar, etiquetar y reducir, catalogar en definitiva."

LABoral ha decidido dar un papel relevante a la performance en su programación y para ello ha auspiciado la creación de una red dedicada al fomento de la teoría y la práctica de la misma, incentivando la investigación, la reflexión y la colaboración entre artistas y gestores de Asturias, y poniendo el centro de atención en el territorio como elemento identitario. Se trata de RASPA, Red Asturiana de Performance y Acción.

Esta iniciativa aspira a situar Asturias en un lugar de relevancia dentro del estudio de la performance y de su desarrollo teórico y práctico. El Centro de Arte se coloca así en el papel de mediador, facilitando espacios, colaboraciones y poniendo en valor a los diferentes agentes que se dedican a la performance en Asturias, con idependencia de su tipología. Durante 2015 se pondrá en marcha esta nueva red, llevándose a cabo en LABoral un programa de actividades centrado en las líneas temáticas que relacionan cuerpo y performatividad, que dé cabida a cada uno de los agentes implicados, así como al público interesado o a expertos en la disciplina.

Paraíso Local Creativo/Imagen: Fredy F.

En este momento, RASPA está formada por diversos artistas y colectivos: la Asociación del Atenéu Nel Amaro, que nació con el objetivo de difundir y promover la figura del artista multiciplinar, así como los estudios e investigaciones dedicados a su figura; el Colectivo Artistas Independientes (CAI), que reúne a artistas de cualquier procedencia y modalidad creativa con la intención de incentivar el trabajo colaborativo, apoyar la creación, difusión, investigación artística y la educación del público, dinamizando la escena artística local; y el espacio colectivo autogestionado Paraíso Local Creativo, en el que se desarrollan proyectos artísticos colaborativos y multidisciplinares.

En los próximos meses debemos marcar en el calendario tres citas:

- Del 7 al 29 de marzo se llevarán a cabo un ciclo de talleres para la formación en performance llamado Cuerpos, identidades y territorios. El el colectivo Paraíso Local Creativo el organizador de esta actividad que pretende transmitir la consideración de la performace como una herramienta de transformación social y política, acercándola al público, creando lazos entre los diferentes participantes y estableciendo procesos creativos conjuntos. Estos talleres serán impartidos por los creadores Ánxel Nava, Anto Rodríguez y María Rodríguez Suárez.

Colectivo Nel Amaro/Imagen: cortesía del colectivo

-Del 4 al 17 de mayo se desarrollarán el IV Alencuentru con Nel Amaro. LABoral, a través de RASPA ofrece una residencia artística de una semana de duración en el pueblo asturiano Columbiel.lo, que se encuentra en las inmediaciones de Pola de Lena. Allí, desde 2012, gracias al esfuerzo de familiares y amigos del artista, los Encuentros de Performances de Pola de Lena, que Nel Amaro y Abel Loureda pusieron en marcha en los años 90, vuelven a ser una realidad. Durante estos siete días, creadores de diferentes procedencias artísticas y geográficas colaborarán para la realización un trabajo colectivo, y además, se podrá disfrutar de exposiciones, talleres para niños y adolescentes, presentación pública de performances y de la revista Caminada, entre otras actividades.

-Del 15 al 30 de septiembre, la performer Marta Medina Álvarez realizará una residencia en las instalaciones de LABoral para seguir desarrollando su proyecto Mov. Ámate Ur.0x. Esta residencia está organizada por el Colectivo de Artistas Independientes y tiene como objetivo el encuentro con los diferentes participantes de RASPA para generar colectivamente una presentación pública a partir de la experiencia vivencial de la pieza Mov. Ámate Ur.0x. En ella se pondrán en juego todos los recursos expresivos, escenográficos y comunicativos de las diferentes tipologías del arte de acción, y será Marta la que haga de conductora de la experiencia. Tanto el proceso creativo como el resultado final serán recogidos en un vídeo que servirá como documento y herramienta para el análisis de la obra.

Marta Medina Álvarez/Imagen: cortesía de la artista

2015 es el año en el que nace RASPA, Red Asturiana de Performance y Acción. Una red que quiere ser punto de referencia nacional sobre teoría y práctica de la Performance Art, que cuenta ya con los ingredientes para conseguirlo.

También puedes leer este artículo en la web de LABoral. En #LABlog.

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Referencias:

-http://www.lacajarevuelta.com/2014/06/capitulo-60-marina-abramovic-la.html

-http://artesescenicas.uclm.es/index.php?sec=texto&id=96

-http://performancelogia.blogspot.com.es/2007/04/performance-art-la-revancha-del-cuerpo.html

-http://performancelogia.blogspot.com.es/2006/11/el-arte-de-accin-en-espaa-entre-los.html

-http://www.accionmad.org/textos/texto18.pdf

-http://esferapublica.org/nfblog/la-incesante-repeticion-del-gesto-los-10-gestos-y-elementos-formales-mas-utilizados-en-el-arte-de-accion/

-http://www.uclm.es/cdce/sin/sin1/valcar1.htm

-http://www.klaussvandamme.net/nel/bmz_nel_amaro.htm

Capítulo 67. LABconciertos.

Desde hace más de una década en museos y centros de arte de todo el mundo ha habido una creciente preocupación por abrir estas instituciones a los públicos, por hacerlas más accesibles y conectadas con la comunidad. Desde el departamento pedagógico, que comenzó a cobrar relevancia en España sobre todo a partir de los años ochenta, hasta los nuevos departamentos de actividades culturales, intermediación o difusión, todos ellos se vuelcan en la búsqueda de acciones que fortalezcan la transmisión de contenidos a los ciudadanos, proporcionándoles no solo disfrute, sino también, descubrimiento y aprendizaje.

Black Mirror Festival. Fotografía cortesía Javier Bejarano.

Si bien es cierto que este camino de apertura es largo y, en muchos casos, está basado en el ensayo-error de nuevas estrategias que hagan atractivos los relatos proporcionados por museos y centros de arte a la comunidad, en el caso de las actividades complementarias las experiencias de éxito son muy alentadoras.

Todos estos cambios fueron propuestos primero desde la teoría museológica en los años 60, y más tarde desde la práctica en las instituciones más representativas, que han animado a todas las demás a seguir ese mismo camino.

Hoy por hoy es muy común encontrar ofertas de actividades de lo más variadas en las instituciones museísticas. Desde las más habituales como conferencias o mesas redondas, a las más atrevidas como danza contemporánea en las propias salas de exposición, teatro, circo, dj's set, y por supuesto, conciertos.

Los museos más conocidos y visitados del mundo cuentan con una programación consolidada dedicada a la música o al arte sonoro. Estas programaciones están prestando atención y ofreciendo no únicamente obras maestras que podríamos considerar ya clásicas, además se apuesta firmemente por las propuestas más actuales e innovadoras, o por músicas que forman parte del imaginario contemporáneo como el pop o el rock.

El MET de Nueva York, con su programa Spectrum, ha llevado a cabo diversas iniciativas que tienen como objetivo atraer a jóvenes audiencias al museo. Mesas redondas o conciertos que, aprovechando el fenómeno fan, articulan el diálogo entre artistas y público. Ejemplo de esta iniciativa es el concierto que la cantante y multiinstrumentalista St Vicent dio en agosto de 2011 en la sala del museo que alberga el Templo de Dendur, donde lejos de tener que sentirnos cohibidos por las piezas, se pudo bailar, tomar algo y divertirse, consiguiendo aunar arte y ocio.

También la Tate Modern de Londres ofrece iniciativas que acercan la música al público. Muestra de ello fue la actuación de la banda alemana de música electrónica formada en 1970, Kraftwerk, en la que los asistentes pudieron disfrutar en directo de su disco de 1981 Computer World.

Siguiendo esta tendencia y en total sintonía con los objetivos de LABoral, desde el Centro de Arte se ha lanzado un programa de conciertos estable: LABconciertos. Además del conocido LEV Festival, del que ya os hablé en LABlog y que este año celebra su novena edición, LABoral ha querido abrirse a diversos tipos de públicos interesados en las novedades musicales, que este año más si cabe, encontrarán en el Centro de Arte un lugar perfecto para reunirse, disfrutar y conocer nuevos talentos.

Black Mirror Festival. Fotografía cortesía Javier Bejarano.

El día 21 de febrero podréis asistir en las instalaciones de LABoral al Black Mirror Festival, que nació en 2013 y este año acoge el Centro de Arte. Organizado por Javier Bejarano, en él vais a encontrar las últimas tendencias en música y creación audiovisual que están desarrollándose a nivel internacional, aunque prestando especial atención a la creación asturiana.

El Black Mirror Festival es gratuito por lo que pretende llegar a la mayor cantidad de público posible, haciéndole partícipe de lo que ocurre dentro de la institución, proporcionándole la oportunidad de disfrutar de propuestas sonoras y visuales experimentales y de vanguardia que usan la tecnología como herramienta creativa. 

http://aletterforelise.bandcamp.com/album/four-tapes-collection

El cartel de este año está formado por Sara Galán, licenciada en BBAA y violoncellista, que centra su creación sonora en la experimentación con la improvisación y los medios digitales; Alfe (A letter For Elise) que combina el noise con sonidos industriales y el dark ambient; y Elle Belga, dúo formado por el ex guitarrista y voz de Manta Ray, José Luís García, y Fany Álvarez que cuentan ya con tres discos de sonidos cálidos, oscuros y melancólicos donde las voces y la melodía son las protagonistas, acompañadas de guitarras y samplers.

http://www.saragalan.net/

De forma paralela al festival, se realizará el ciclo Trashumancias con la intención de crear lazos con otros centros de arte del país, exportando el festival y fomentando la colaboración entre artistas, instituciones y proyectos.

http://ellebelga.bandcamp.com/

También LABoral ha incluido en su programa de residencias la convocatoria para bandas asturianas. El fin es poner las instalaciones del Centro de Arte y sus recursos al servicio del panorama musical asturiano, en particular, el que incorpore el uso de las nuevas tecnologías, la electrónica y el DIY (do it yourself) en su creación sonora, pudiendo participar de la programación del centro de arte, e involucrarse en las actividades y proyectos de la institución, estableciendo además relaciones con otros artistas y entornos creativos. Ya ha finalizado esta residencia la banda Arkanine, que combinan influencias del post-rock con electrónica, y recientemente ha comenzado su estancia Xelar, proyecto musical que mezcla sonidos minimalistas, ambient o música concreta, entre otras.

LABoral está apostando por la música dándole la relevancia que merece dentro del arte y la cultura contemporánea, e impulsando a los creadores locales. Nosotros como público, estamos invitados a disfrutar y participar de sus iniciativas.

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Capítulo 65. CUANDO EL ARTE TIENE OLOR.

"Hay perfumes frescos como carnes de niños,

Suaves cual los oboes, verdes como las praderas,

Y otros, corrompidos, ricos y triunfantes,

Que tienen la expansión de cosas infinitas,

Como el ámbar, el almizcle, el benjuí y el incienso,

Que cantan los transportes del espíritu y de los sentidos”

                                                                                                 Correspondencias. Charles Baudelaire.

Imagen: LABoral

¿A qué huele unaexposición? es una de esas propuestas redondas, sin cabos sueltos. En ella se expone una selección de obras de la colección del perfumista Ernesto Ventós y la pieza nanoEsencia_Grafeno, resultado de la residencia del artista e ingeniero Hugo Martínez-Tormo en LABoral.

La colección OlorVISUAL, fue comenzada en el año 78 por Ventós. Las piezas han sido seleccionadas con mimo por él mismo, en un principio yendo a los talleres de los propios artistas para hacer encargos concretos. Es una colección íntima, que se relaciona directamente con el sentimiento y con el oficio de Ventós: las obras deben despertar la memoria olfativa del coleccionista. Desde entonces, los nombres que forman parte de ella se han ido multiplicando, apostando no solo por artistas consagrados como Hirst o Tàpies, sino incluyendo a artistas que aún se están haciendo un hueco en el mercado y ayudándolos, de este modo, a conseguirlo. No tienen una temática o técnica única, son reflejo de la contemporaneidad desde los temas a los formatos. Su mayor y más interesante peculiaridad es que las piezas deben oler.

Para Ernesto es muy importante la dimensión social de su colección. Por ello desde la exposición Olor de Cadaqués. Percepciones olfativas de la colección olorVISUAL, celebrada en el Museo de Cadaqués en 2013, se decide que cada muestra debe ir acompañada por talleres educativos y visitas (“experiencias olfativas”) que ayuden al público a sumergirse en la obra, a traspasar la barrea visual y navegar más adentro, donde a través del olor se despiertan relaciones muy personales y subjetivas, que nos ayudan a establecer conexión directa con el arte. Por supuesto, esta exposición en LABoral también ha contado con sus propios talleres.

Fruto de este carácter social que el coleccionista ha dado a la colección, se convocó públicamente una beca de residencia en colaboración LABoral, para artistas menores de 40 años que trabajen conjugando arte y tecnología. Esta beca fue ganada por Hugo Martínez-Tormo, que durante dos meses ha podido disponer de las infraestructuras del centro de arte y de presupuesto suficiente para la producción de su obra nanoEsencia_Grafeno, y que entrará a formar parte de la colección OlorVISUAL.

Hugo, partiendo de complicadas operaciones matemáticas y valiéndose de investigaciones nanotecnológicas, con nanoEsencia_grafeno nos muestra el sonido y el color que tienen los átomos, algo para nosotros imperceptible y que gracias a esta instalación inmersiva de arte generativo, podemos intuir e imaginar, ayudados como no, por una esencia creada por Ernesto Ventós.

La muestra comisariada por Alicia Ventura, está pensada para presentar la pieza de Martinez-Tormo, y recoge una selección de obras audiovisuales de diversos artistas y colectivos: Andrea Bátorfi, Democracia, Nanna Hänninen, Carlos Irijalba, Clare Langan, Cristina Lucas, Albert Merino,Fleur Noguera, Marina Núñez, Javier Peñafiel, Benet Rossell, Charles Sandison, Amparo Sard, Martín Sastre, Hiraki Sawa, Mariana Vassileva,Tim White-Sobieski y Carla Zaccagnini.

Las piezas de esta exposición estimulan en el espectador sentidos que no está habituado a usar cuando se sitúa ante a una obra de arte. Aquí todo es sensitivo, emocional. Todas ellas se acompañan de un texto escrito por el artista sobre el olor que le sugiere su obra, y de un olor diseñado por el coleccionista.

Con la sinestesia, mezcla de sensaciones de órganos distintos o mezcla de dichas sensaciones con sentimientos, como hilo conductor paseamos por diferentes propuestas que nos llevan desde lo posible y apocalíptico (Clare Langan, Glass Hour 2002) a lo soñado (Hiraki Sawa, Sleeping Machine I 2009). De lo imaginado (Amparo Sard, Hauptpunkt, Esencia 2013) a la crítica de la realidad (Cristina Lucas, El eje del mal 2003 o Democracia, Pablo España & Iván López, Charity, el olor de la caridad 2006). De lo personal (Nanna Hänninen, Meditation practices II. Trying to be a better me 2009) a lo universal (Javier Peñafiel, Conquista básica te vuelvo a pedir que te definas 2004). En el recorrido por los espacios de LABoral se apela en todo momento a nuestra subjetividad que, atendiendo a la imagen, al sonido y al olor, invita a crear nuestra propia experiencia. A aceptar el olor ideado para cada obra o proponer el que hace referencia nuestra impresión personal.

Por todo esto, ¿A qué huele una exposición? Es un gran proyecto: una colección muy particular que propone un reto al visitante; una exposición no convencional en la que podemos usar sentidos hasta ahora olvidados en la gran mayoría de ellas; una selección de obras de gran calidad; la oportunidad que se le ha brindado a artistas que empiezan de producir, exhibir y formar parte de una gran colección; la experiencia educativa y sensitiva llevada a cabo por el departamento pedagógico; la unión del esfuerzo público y privado por promocionar y difundir el arte contemporáneo.

La muestra se puede visitar hasta el día 13 de octubre. Aún tenemos casi un mes para poder oler el arte.

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Capítulo 52. GIJÓN EN LOS OJOS DE GUILLERMO G. PEYDRÓ

Guillermo G. Peydró es un joven cineasta  e historiador del arte nacido en Madrid en 1981. Ha sido co-programador del Greenpoint Film Festival (Brooklyn, NY) en 2011, y cuenta ya con premios y reconocimientos de festivales alternativos de Europa y América: sección oficial del DocumentaMadrid 2012, Cinespaña 2012 (Toulouse, Francia),  FIC Puebla 2013 (México), entre otros muchos. Acaba de entregar su tesis en la que profundiza en la relación del film-ensayo sobre arte y las artes plásticas desde el inicio del s. XX.

El Jardín Imaginario

Sus trabajos, encuadrados dentro del cine-ensayo, aúnan un gran conocimiento teórico cinematográfico y artístico, además de aportaciones propias nacidas de la reflexión sobre el propio género, acerca del reconocimiento de la creatividad intrínseca al ser humano o sobre la sociedad como motor de cambio político y cultural. Las imágenes, que en unas ocasiones son recuerdos y en otras intuición, tocan desde lo documental a lo poético, viajando desde su subjetividad (la del autor) a la objetividad de los acontecimientos pasados y presentes.

El jardín imaginario / Le jardin imaginaire (Tráiler) from Guillermo G. Peydró on Vimeo.

Participó en la muestra Universo Vídeo_El Otro Audiovisual Español, del 21 de octubre de 2013 al 5 de enero de 2014, comisariada por AlfredoAracil en LABoral, con sus películas Art of The Actor y Louie’s Toy Garden. Tras ello, Guillermo ha resultado ganador del premio Universo Vídeo, convocado conjuntamente por LABoral y el Festival Internacional de Cine de Gijón, pudiendo así disfrutar de una residencia de producción en el Centro de Arte durante el mes de febrero, y que dará como resultado un corto donde Gijón es la protagonista.

Justo unos días antes de comenzar la residencia, Guillermo contestó a mis preguntas y este es el resultado:

Laura: ¿Ha sido el film-ensayo definido por lo que no es más que por lo que es? ¿Nos ofrecerías una definición propia?

Guillermo: El cine-ensayo ha sido acotado por aproximación, a partir de una serie de propuestas que nunca llegan a converger. No es ficción, ni documental, ni experimental (definición en negativo), pero puede incorporar registros de todos ellos. En los libros colectivos sobre el tema, como L'essai et le cinéma (2003) o La forma que piensa (2007), cada uno de los autores propone lecturas distintas, características distintas que sólo coinciden en parte. Cada ensayo busca su forma a partir de su contenido, cada film-ensayo también. La forma de un ensayo de Montaigne sobre la fuerza de la imaginación es completamente distinta de la forma de un ensayo de Thoreau sobre la desobediencia civil, y ésta lo es del gran ensayo de Barthes sobre Japón; pero los tres son perfectos ensayos. El ensayista busca la manera adecuada de ordenar los materiales de que dispone, poniendo énfasis en la forma, y compartiendo, en ocasiones, sus decisiones con el espectador. En un film-ensayo todas las opciones expresivas de la historia del cine son posibles, reunidas por un pensamiento discursivo. Intentemos una definición: un film-ensayo es una obra audiovisual que comparte un pensamiento en acto, partiendo de una serie de intuiciones visuales y temáticas, utilizando para ello cualquier material disponible sin detenerse en fronteras artificiales establecidas por críticos o distribuidores.

L: ¿Cuál es, en tu opinión, el lugar ideal para disfrutar de tu cine? ¿Qué contexto es el adecuado para la exhibición de tus obras?

G: Una de las cosas que más disfruto con respecto a mi cine es precisamente la transformación de la mirada en función del lugar de proyección. El espacio transforma la obra, y una película como Las variaciones Guernica ha tenido un significado radicalmente distinto en sus proyecciones en el festival Documenta Madrid, el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), la Cinémathèque de Toulouse (antigua sede del gobierno republicano español en el exilio), el Parque España de México DF, la New York University o el Museo Reina Sofía, donde está el propio Guernica. El espacio, la historia del espacio, la función del espacio (festival, museo, universidad, galería de arte...), cambian la película cada vez, de la misma manera que el tipo de público de cada uno de esos lugares es diferente en sus expectativas y me enseña a mirarla de forma distinta. La proyección ha sido sin duda de más calidad en la extraordinaria Cineteca de Madrid, donde se vio por primera vez, que en la librería Traficantes de Sueños, pero el debate posterior en esta librería fue sin duda más largo y fructífero, uno de los mejores. El lugar ideal para disfrutar de mi cine son todos los lugares posibles, y a ser posible varios distintos para un mismo espectador.

Trailer – Las variaciones Guernica / The Guernica Variations (2012) from Guillermo G. Peydró on Vimeo.

L: Escribes artículos, haces películas, fotografías…  ¿Es tu cine una manera de extrapolar a la imagen tus reflexiones teóricas sobre arte y sociedad?

G: Mis tres películas principales han sido creadas al hilo de mi tesis doctoral, para ser incluidas en ella. Las he adjuntado en un DVD en la contratapa. Han sido mi laboratorio práctico, con el cual hacerme preguntas sobre mis intuiciones teóricas con respecto al cine-ensayo. Todo film-ensayo es una manera de extrapolar a la imagen las reflexiones teóricas del autor sobre arte y sociedad, pero en mi caso había además una ligazón directa con mi tema de tesis, el cine-ensayo sobre arte. Intento que toda mi actividad vaya en una misma dirección, por economía y ecología de medios. No tengo tiempo físico de dar forma a todos los proyectos que tengo ya previstos, así que al menos intento que mis investigaciones teóricas estén directamente ligadas a mis propuestas prácticas.

L: Parece esencial en tu obra la aportación de las personas de a pie a los actuales problemas políticos, humanos, artísticos…

G: El centro de todo mi trabajo es la capacidad de transformación del arte. El arte es un espejo que refleja a la sociedad que lo produce, es un lenguaje libre cuya misión es decir las cosas que no pueden decirse normalmente (por censura o por pura incapacidad del lenguaje cotidiano). Toda persona es un creador en potencia, pero el sistema educativo institucional se encarga de ir limitando progresivamente el alcance de nuestra imaginación. Algunos de mis artistas de referencia han trabajado este conflicto, formulando nuevas propuestas de ampliación del significado del arte: Jean Dubuffet con respecto al art brut, Joseph Beuys con su idea de la escultura social, donde todos somos artistas, y todos tenemos una gran responsabilidad en la toma de decisiones políticas de nuestra ciudad y país. Beuys era un firme defensor de la democracia directa, el polo opuesto de la idea de votar cada cuatro años y dejar hacer cualquier cosa que el elegido crea conveniente, incluido lo contrario de aquello por lo que fue votado. Este conflicto puede y debe ser pensado (también) desde la perspectiva de la creación estética. El artista aporta mecanismos nuevos para pensar la realidad, el ensayista comparte nuevas formas extraordinariamente libres y arriesgadas de establecer nexos entre ideas, deseos, recuerdos o sueños, y el ensayista audiovisual amplía esta enseñanza al pensamiento en imágenes. Todo ello funciona de manera opuesta al planteamiento clásico del cine de Hollywood: no evasión, sino implicación activa; no montaje invisible, sino manipulación ostensible. Hacer que el espectador salga del cine y el museo con capacidades nuevas de establecer conexiones y formular propuestas.

Democracia Real Ya - New York (2011) from Guillermo G. Peydró on Vimeo.

L: ¿Crees que la verdadera cultura está fuera de la cultura institucional? ¿En qué medida es libre el creador que está institucionalizado?

G: Un artista que trabaja fuera del sistema institucional del arte permite al investigador aislar mejor, quizá, lo esencial del arte como hecho antropológico (caso del art brut), y en ocasiones puede ser más libre desde el punto de vista político (caso del street art). Pero esto no conlleva necesariamente una valoración de que las esculturas del agricultor protagonista de mi película El jardín imaginario sean más válidas o verdaderas que las de Cellini o Brancusi, o que dentro de lo institucional sea imposible la crítica política efectiva. La libertad del artista es una cuestión compleja. No tiene por qué ser más verdadera una que la otra, la que ha sido ya aceptada o recibe apoyo institucional y la que se ejerce en los márgenes, de forma apasionada y en ocasiones sólo reconocida de forma póstuma. Creo que esa verdad depende de la actitud y compromiso del creador con su obra, no del apoyo o aceptación externa que reciba. La libertad del creador fuera del sistema es seguramente mayor en cuanto al planteamiento y menor en cuanto al resultado. Tiene todas las opciones abiertas sobre el papel, sobre el lienzo en blanco, ante la cámara; no tiene ningún compromiso, no se espera nada de él, pero lo que haga tendrá un menor impacto y una menor capacidad de influir en otros. Y una gran parte de la importancia del arte pasa por su capacidad para alcanzar a los demás, ampliar su forma de mirar, su conocimiento, su capacidad crítica. Hacia el lado contrario, las grandes producciones creativas suelen estar maniatadas en demasiados sentidos, y se llega a momentos de anquilosamiento total que en esas alturas resultan difíciles de desbloquear por los compromisos adquiridos. Una posible solución, entonces, es intentar desbloquear la situación desde abajo: buscando nuevas fórmulas con los medios más básicos. En eso ha consistido la carrera de algunos de los cineastas más inquietos, como Alain Cavalier. En todo caso, lo que habría que hacer es dotar de autonomía y libertad suficiente los espacios institucionales de creación, para permitir que la creación sincera tenga cabida en ellos, y que los criterios de aceptación no sean invariablemente económicos, ideológicos, o propagandísticos.

Las Variaciones Guernica

L: ¿Qué artistas han influenciado tu manera de ver el mundo y, por lo tanto, tu manera de hacer en lo artístico?

G: La vida de todo creador es un aprendizaje permanente. Mis influencias con respecto a la idea de arte vienen de todas partes: desde la pintura a la música, la literatura o evidentemente el cine. De El Bosco a Messiaen, de Miles Davis a Cortázar, de Sófocles a Wajdi Mouawad, de Montaigne a Chris Marker. Hoy tenemos acceso a una cantidad desbordante de arte, y todo lo que consumo está de alguna manera en mi cabeza cuando miro a través de la cámara y cuando me siento en la mesa de montaje. En lo estrictamente cinematográfico, tres cineastas han supuesto un punto de inflexión, ampliando decisivamente mi idea de cine. Son Kubrick, Tarkovsky y Chris Marker.

L: ¿Qué retos artísticos y creativos te ha planteado esta residencia en LABoral?

G: En Gijón quiero desarrollar mi trabajo anterior con respecto a las ciudades. La ciudad y sus espacios ha sido desde el principio un espacio metafórico íntimamente ligado con el cine, tanto en el cine de ficción como en el de no ficción. De las sinfonías urbanas de los años veinte a la exploración poética y psicoanalítica de las ciudades contemporáneas, del Berlín de Walter Ruttman al de Wim Wenders, del París de René Clair al de Rivette o Leos Carax, de la contraposición campo/ciudad en Murnau a los finales de Hitchcock en espacios icónicos (British Museum, Estatua de la Libertad,...), la ciudad moderna, que empezó a comprender y retratar Baudelaire, que diseccionó Benjamin, alcanza con el cine nuevas posibilidades de interpretación. Este es mi punto de partida, que contrastaré con la realidad de la ciudad y sus habitantes al otro lado de mi cámara; el de llegada, por el momento, lo desconozco. En todo caso, tengo que ser realista con el tiempo de grabación y los plazos que tengo. El resultado será un acuerdo de mínimos entre la realidad y el deseo.

L: ¿Cómo se relata una ciudad como Gijón a través de la cámara? ¿Qué diferencias encuentras con las otras ciudades en las que has estado investigando?

G: Esto lo sabré a partir del día de mi llegada, porque no conozco Gijón. Hay ciudades más connotadas por la literatura que otras, como París o Londres, y el recorrido creativo puede consistir en dialogar con las miradas previas sobre esos mismos espacios; ésa es la base de mi película El jardín imaginario. En Gijón no tengo toda esa cantidad de literatura asociada, y la mirada será más libre. 

La obra de Guillermo nos coloca ante una variedad de caminos, o dicho de otro modo, de reflexiones, críticas, hipótesis, otorgando al espectador la capacidad de tomar partido. Debemos seguir indagando y preguntándonos. Él abre el diálogo. Nosotros entramos en el juego.

Tendremos que esperar todavía un poco para conocer las preguntas que Gijón nos plantea a través del ojo de su cámara.

                                                                             

                                                                                                 Muchas gracias Guillermo por tu amabilidad

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