Capítulo 57. ENTREVISTAS.

El mes pasado quisieron hacerme un par de entrevistas. Con esta entrada en el blog quería agradecer el interés y cariño de María Salas, creadora de Agenda Magenta con la que colaboro desde hace un año y que me hace muy feliz porque creo en ella y en su proyecto, y por supuesto también el de Denise Osicka, que lucha por abrirse camino en el mundo de la comunicación.

Si aún no las habéis leído, aquí están. Espero que os gusten.

- Entrevista en Agenda Magenta.

-Entrevista en Osicka, La Revista de Divulgación Digital.

Capítulo 54. ROSAS.

Hace treinta años, en 1984, se presentaba por primera vez en España la coreografía "Rosas Danst Rosas" de la coreógrafa belga Anne Teresa De Keersmaeker. La ciudad elegida fue Granada. Cuando conocí este dato quise ser mayor, haber tenido en el 84 unos 15 o 20 años y no 4, y así haber podido disfrutar de ese maravilloso estreno.
 

Treinta años después, hace un par de domingos, "Rosas Danst Rosas" volvió a Granada y, por supuesto, no podía faltar. Mis lectores saben que hace años practiqué danza contemporánea pero esa base, digamos teórica, no la tengo. Hay que aprovechar la curiosidad. Un día por casualidad buscando vídeos de danza contemporánea, discubrí la película que, en 1997, Thierry De Mey realizó con diferentes elencos de bailarinas que, desde el estreno de la coreografía en 1983, la habían representado por todo el mundo. La localización y los escenarios, una vieja escuela técnica en Lovaina (Bélgica), son un genial acierto que contextualizan la coreografía de forma magistral.

 

 Rosas Danst Rosas, Film by Thierry De Mey, 1997

Anne Teresa De Keersmaeker, formada en la escuela MUDRA en Bélgica y en la New York Tisch School of  the Art, se convirtió desde muy joven en coreógrafa postmoderna de referencia gracias a su espectáculo "Rosas Danst Rosas", que ya se se ha convertido en un clásico contemporáneo. Con apenas veinte años su tercera coreografía, la que le daría la fama internacional, se presentó en el Festival Kaaitheater de Bruselas. En ella, Anne Teresa bailaría junto a Fumiyo Ikeda, Michèle Anne De Mey y Adriana Borrielo. Los premios recibidos desde entonces y las magníficas críticas de medios entendidos, avalan la calidad de la pieza. El éxito conseguido con esta coreografía dará lugar a la creación de su propia compañía, llamada Rosas como no podía ser de otra manera. Todos estos años después, "Rosas Danst Rosas" sigue siendo uno de los puntos fuertes del programa.

"Un coreógrafo que te hace pensar y sentir a la vez, haciéndote consciente de ambos procesos al mismo tiempo, es difícil de encontrar. Anna Teresa De Keersmaeker, nacida en Bélgica en 1960, lo consigue. Tras alcanzar prominencia en el circuito escénico europeo durante los últimos cuatro años por un conjunto de piezas meticulosamente detallistas, ha sido descrita con frecuencia como una mezcla entre Lucinda Childs y Pina Bausch."

                                                                                       Anna Kisselgoff, The New York Times, 9/11/1986

 Fase, Four Movements to the Music of Steve Reich, 1982

La pieza, dividida en cuatro partes o actos, resulta desde el primer momento hipnótica. Los movimientos repetidos infinidad de veces parecen convertirse en una especie de regla matemática, una fórmula mágica en la que cada cierto tiempo se introduce un "error" o variación, que a su vez, acaba convirtiéndose en nueva regla. Movimientos casi marciales, a veces violentos, que se mezclan con gestos cotidianos, humanos, conocidos, que desplazan la dureza y dan paso a la ternura. Las miradas que las cuatro bailarinas se dirigen y estampan en el público, nos conmueven. Consiguen que veamos no sólo a geniales bailarinas, también nos presentan a personas que quieren establecer complicidad con el público y que, de algún modo, lo hacen partícipe.

Es una pieza que requiere de una concentración y una calidad técnica que asombra. Los movimientos sincronizados al máximo, totalmente definidos y medidos, se llenan de naturalidad al mismo tiempo que el espectáculo va avanzando. Ellas, que comienzan perfectamente peinadas, vestidas, impolutas, finalizan la pieza agotadas, con la respiración alterada, sudadas, despeinadas. No es casualidad. A Anne Teresa le interesa que el público sea consciente del esfuerzo que supone la danza. En la estricta coreografía hay incluso lugar para el error y para el descanso. El baile se hace real. Forma parte de las personas. No crea un mundo ajeno o fictício.

En el primer acto, el más serio, las bailarinas se deslizan por el suelo. No hay música, sólo el ruido de la propia sala y las respiraciones, suspiros y manotazos, que consiguen convertir en sonido.

En el segundo, para mí el mejor, colocan sillas de madera en diferentes planos. Aquí la música repetitiva, metálica y mimimalista que compusieron para la obra el mismo Thierry De Mey y Peter Vermeersch, define perfectamente los movimientos. Son la misma cosa.

En la tercera, las bailarinas ya en pie, juegan con los planos y las distancias, por supuesto sin olvidar nunca la geometría. La iluminación define esos planos, dirigiendo la mirada hacia la bailarina que introduce la variación.

El último acto, el cuarto, es la explosión del baile. Se usan las diagonáles, las distancias, los planos, incluso los círculos. La pieza se cierra con las bailarinas agotadas y removidas recordándonos los movimientos claves de la coreografía, ya casi sin aliento.

Una obra maestra de la danza contemporánea que va fluyendo ante ti y que finaliza en un climax que une a público y bailarinas. Te mantiene boquiabierta desde el inicio admirando cada detalle perfecto, cada respiración, cada movimiento violento o lleno de ternura. 

La página web de "Rosas Danst Rosas" está totalmente en sintonía con la propia coreografía. Ofrece información, fotografías, vídeos en los que Anne Teresa te da la bienvenida o te explica los pasos, puedes descargarte la música gratuitamente, aprender la coreografía para después grabarte y compartirla con todos los demás en la propia web. ¡Fantástica iniciativa!

 De Boomhut danst Rosas

Finalizo con un consejo: si "Rosas Danst Rosas" pasa por vuestra ciudad, no os la perdáis.

Capítulo 33. NO, GRACIAS.

Desde hace unos meses he pensado mucho en si escribir o no este post. Viene rondándome la cabeza ,y la verdad, no me decidía pero parece ser que al final sí que me lanzo.

Últimamente, más aún desde la entrevista en ABC y al entrar a formar parte de ARCObloggers, las ofertas de colaboración llenan mi correo electrónico a diario. En principio, que alguien diga que lee mi blog y me ofrezca colaborar en un evento cultural, me interesa, claro. Yo siempre estoy abierta a colaborar en proyectos interesantes. El verdadero problema llega, normalmente, en el segundo correo. Cuando después de pedirles información sobre el evento cultural y la colaboración que me proponen, responden. Y es que no entiendo cómo alguien llama a tu puerta (a tu correo electrónico) para ofrecerte que realices un trabajo profesional, que necesita horas de tu tiempo, esfuerzo, además de poner tu marca personal al servicio del proyecto (que mejor o peor, te has creado tú a base de ganas y trabajo) a cambio de nada. Bueno, no exactamente nada: un link en la página de la organización o la entrada gratuita al evento (faltaría más).

Verdaderamente, este tipo de "colaboraciones" me empiezan a incomodar y me enfadan. Los bloggers de arte, la blogosfera de la que estoy orgullosa de formar parte, somos gente muy preparada, cualificada, trabajadores, que escribimos el blog por "amor al arte", por compartir, por aprender, enriquecer. Como dijo Anna de Golferichs en su intervención en el foro de ARCObloggers: "ser blogger es prácticamente ser voluntario cultural". Pero no nos equivoquemos. Somos voluntarios de lo que queremos, cuándo y cómo queremos. Por esta razón, que una empresa cultural, pero empresa, que en la mayoría de los casos recibe subvenciones públicas, tiene patrocinadores y además cobran una entrada, se ponga en contacto para que haga de community manager y media partner, por la estupenda cantidad de 0 euros, me deja asombrada. Y no me malinterpretéis, la ganancia no tiene por qué ser económica, de hecho, en casi ninguna de las cosas que hago gano ni un euro, pero sí que esa colaboración sea enriquecedora para ambos, y sobre todo, que esté en consonancia lo que se pide con lo que se ofrece. Y a ésto unirle que estas "colaboraciones" no se circunscriben al día o los días del evento (en los que "no puedes faltar") sino que, además, te piden que muevas y difundas el citado evento, alrededor de un mes antes en tus redes personales y en tu blog.

Entonces yo, con los ojos como platos, me pregunto: ¿me han tomado por tonta? ¿en qué momento rellené el formulario de voluntariado al evento? ¿piensan que, en un evento en el que todos cobran por su trabajo, voy yo a hacerlo gratis a cambio de un link?

Por favor, de nuevo, no me malinterpretéis. No voy de diva, sé quién soy y dónde me encuentro, pero es que estos ofrecimientos me enfadan. Si sois seguidores del blog, sabéis bien que colaboro con mucha gente, que he participado en proyectos donde incluso he tenido que poner el poco dinero que tengo, pero que me ilusionaban, me hacían crecer como persona y profesional, trabajar en equipo, compartir ideas, aportar experiencias y conocimientos. En estos proyectos estoy y estaré encantada de participar siempre, pero en los que me piden un trabajo profesional a 0 euros y 0 enriquecimiento personal, no. Lo siento pero no.

Y es que ser blogger supone un esfuerzo en cualquier caso. Si tienes un trabajo que te dé de comer, sacar tiempo, temas y ganas de escribir es muy difícil, pero si como yo no lo tienes, poder encontrar temas, ganas y tiempo, es exactamente igual de complicado. A eso se une que yo no vivo en los lugares donde suelen pasar las cosas: Madrid o Barcelona, por lo que para colmo, cuando les hablas de gastos de transporte y manutención, pasan disimuladamente palabra. No sólo pretendes que trabaje gratis, ¡además tengo que poner dinero!

Que no acepte este tipo de colaboraciones obedece a mis principios, a mi dignidad, y a que, creo, uno se tiene que hacer valer. En cualquier caso, yo empecé el blog por gusto, por escribir de lo que me interesa y tengo algo que decir. Si he llegado a algo ha sido fruto del un esfuerzo totalmente desinteresado, por ello, si sigo así, para mí bien está. Es algo que me gusta, con lo que me divierto y aprendo gracias a todos aquellos que decidís participar y dar vuestra opinión. Eso no tiene precio.

Después también ocurren cosas "divertidas", o con las que yo decido reírme y ni siquiera contesto, como cuando un artista (él por lo menos decía que lo era) me escribió sin llamarme ni siquiera por mi nombre, ni comentar nada en ningún momento del blog, diciendo: "puedes visitar mi página y entrevistarme para que lo publiques en tu blog". Hombre, MUCHAS GRACIAS, de verdad.... Ante todo ser educado, saber cómo me llamo y haber leído algo de lo que escribo porque puede ser que no te guste nada mi planteamiento. ¡Qué menos!

Este post es sólo mi opinión. Mi postura. No digo que sea la adecuada, ni un ejemplo a seguir. Es la mía, nada más.

Capítulo 30. EL ARTE EN UN BLOG

En diciembre, el periódico ABC en su sección de cultura, decidió publicar un artículo sobre bloggers de arte. En él, se pretende dar una visión del espacio y relevancia que han adquirido los blogs y sus autores, dentro del mundo del arte a nivel nacional. Seleccionaron 5 bloggers entre los que me ilusiona estar, dando cada uno de nosotros nuestro particular punto de vista del arte y sus mecanismos.

Os dejo el enlace de la publicación digital. Feliz lectura:

"El Arte En Un Blog"

Capítulo 29. LA TÉRMICA: CULTURA, EDUCACIÓN Y SOCIEDAD.

El pasado 18 de enero se inauguró un nuevo centro cívico en Málaga: La Térmica. Ubicado en un edificio de uso industrial, este centro tiene grandes expectativas que entienden la cultura como una construcción común, colaborativa y crítica.

Esta filosofía lleva tiempo siendo una realidad teórica pero que se está implantando muy tímidamente en las instituciones ya existentes. El nacimiento de una institución pública (depende de la Diputación malagueña) con esta amplitud de miras y en este preciso momento, supone un reto necesario. La cultura puede y debe entenderse de otra forma. 

Tres conceptos definen el proyecto de La Térmica:

-Cultura: dará prioridad a los procesos constructivos de la misma. Conceptualización, creación, producción y difusión son los conceptos que manejarán apoyándose en la sociedad y sus diversos agentes: públicos, artistas, gestores/emprendedores, pensadores, creadores. Quieren convertirse en punto de encuentro para todos ellos, ofreciendo un espacio de debate, reflexión y crítica de la cultura contemporánea.

-Educación: propuestas que van más allá de simples actividades jornadas, cursos, seminarios, talleres, visitas guiadas y foros de discusión que hagan del centro una plataforma de pensamiento activa y libre.

-Sociedad: ser un espacio inclusivo, donde todo aquel que se acerque encontrará un lugar de estudio, investigación, discusión y disfrute entorno al arte y la cultura contemporánea.

¿Y cómo lo harán? 2 líneas de actuación son las propuestas para la realización de los conceptos:

-Apoyo a la creación y al emprendimiento: un completo programa de residencias, formación y asesoramiento que procurará a creadores y emprendedores culturales, no sólo lugares, sino medios para impulsar su actividad en un ambiente proactivo. Para ello tienen 3 programas:

*La Térmica creadores: residencias de 6 meses en las instalaciones del centro. En ellas, creadores nacionales e internacionales podrán, no sólo llevar a cabo sus obras, sino participar activamente en todas las actividades del centro.

*La Térmica emprendedores: programa para emprendedores culturales que durante 6 meses, dispondrán de un espacio para trabajar, compartir ideas y conocimiento, además de recibir formación específica y asesoramiento profesional.

*La térmica coworkers: de manera complementaria pero independiente, se pone a disposición de los emprendedores culturales espacios con tarifas adecuadas al uso basado en el concepto de comunidad.

-Trabajo en red: construcción de una red colaborativa para intercambio de proyectos, propuestas y personas, con iniciativas interculturales poniendo en valor el intercambio de ideas y contenidos. Especial atención se dará al desarrollo de programas de colaboración con otros centros, museos, universidades e instituciones que, demás, abaratarán costes de producción. También ponen el acento en el público buscando la integración en la sociedad y estableciendo una relación productiva, un diálogo, donde todos tienen voz. Resaltar su apuesta por el 2.0 y la presencia en red, abordándola desde un lenguaje propiamente virtual, buscando la interacción y las relaciones de tú a tú.

El edificio de 13.000 m2, ha sido restaurado de forma respetuosa, consiguiendo adaptarse a las nuevas necesidades y a su nueva función. Posee un gran auditorio, salas de exposiciones, talleres, espacio coworking , residencias, oficinas, etc.

Un ambicioso programa de actividades ya está en marcha. En él se incluyen cine, danza, debates, actividades infantiles, conciertos y, por supuesto, exposiciones. Podéis consultar toda la información aquí.

¿Y para empezar? Pues como comienzo La Térmica nos propone una interesantísima exposición del fotógrafo americano Christopher Makos.

Nacido en Massachusetts, criado en California y formado en París, donde fue aprendiz de Man Ray. La ciudad donde llevará desarrollará su actividad será Nueva York. Rodeado siempre de personalidades artísticas, sus colaboraciones más importantes estarán al lado de Andy Warhol.

"Lady Warhol" es el título de esta exposición en la que podremos disfrutar con las fotografías en las que Warhol, el artista pop, posa vestido de mujer emulando las fotografías que Makos había tomado a sus clientas ricas. Para este trabajo, Makos se inspira o, más bien, transgrede el proyecto "Rrose Sélavy" en el que, en los años 20, Man Ray fotografiaba a Marcel Duchamp vestido con ropa de mujer parisina.

Más allá del juego y la experimentación que estas fotografías nos demuestran, debemos ver un discurso propiamente de género e identidad, o quizá ¿transgénero?. Cuestiones como la apariencia de lo masculino, lo femenino y los códigos que socialmente se le otorgan, son revisados y criticados en estas obras. Warhol ya no será él. Posará como ella. Como diferentes ellas pero sin abandonar claves que le definían, como la corbata o los pantalones vaqueros. Pero ahí no acaban las lecturas,. La frivolidad propia de las clases altas, y de sus grandes mujeres, de mirada fría y abstraída, ociosas y siempre perfectas, a la última, queda aquí retratada como parodia.

"Pero hasta que no llegó el día de la primera sesión de fotos no me di cuenta de que un poco de maquillaje y una pose estudiada no bastaban para transformar a un hombre en un referente femenino. De ahí que decidiese hacer dos sesiones distintas: en la primera, Andy posaba como las mujeres que retrataba en sus obras por encargo. En esas fotos adoptaba la mirada perdida de las mujeres ricas que retrataba sin parar. Después organizamos la segunda sesión de fotos con glamour. Y así, con la ayuda de un maquillador profesional, Andy se transformó en una extraordinaria 'imagen alterada'" Chirstopher Makos

Las obras están fechadas en 1981, época en la que el fotógrafo se convertirá en un referente artístico. A partir de entonces, su obra se expondrá en los más importantes museos. En España, ha habido diferentes muestras dedicadas a él (IVAM y La Casa Encendida) y el Reina Sofía ya posee en su colección alguna de sus obras. 

La exposición podrá ser visitada has el 16 de marzo. La Térmica se estrena por todo lo alto.

El centro cívico, este espacio recién inaugurado, promete y mucho. Un proyecto cuidado, pensado, sin cabos sueltos, que quiere convertirse en referente para la cultura construida por y para todos.

En mi opinión, el mayor reto será demostrar que dentro de lo institucional se puede dialogar, construir y crear cultura abierta y participativa. Que lo público es de todos.

Los seguiré de cerca. Os invito a acompañarme.

Capítulo 28. SOBREVIVIR AL INVIERNO.

No deja de sorprenderme que, en ocasiones, las personas parecemos estar programadas para llegar a unas conclusiones exactas, a unos sentimientos, sensaciones. Parece que hubiéramos sido preseleccionados para formar parte de un grupo que, con condiciones geográficas, familiares, económicas, laborales, distintas, sería imposible que no llegáramos a encontrarnos. Quizá sea así. No sé si llamarlo destino pero, en cualquier caso, es una suerte.

El azar me llevó hasta la obra del Paupac Azul, uno de los grupos del que debía formar parte. ¿Y qué es el Paupac? Es difícil de explicar, por ello, casi mejor que lo hagan ellos mismos:

"No somos un vídeoartista. No somos un conjunto musical. No somos un poeta ni un artista de performance, ni un fotógrafo ni un escritor. Tampoco somos un colectivo al uso. Pero nos servimos de todo ello para contar historias. Somos transmedia"

Paupac Azul son Paula Susaeta y Paco Trinidad, una pareja donde el 1+1 da siempre mucho más que dos, porque tienen cantidades industriales de palabras, sueños, miradas, reflexiones para compartir. "¡Ven entra en mi grupo!", y yo sin rechistar, entré.

#19Fun

Las personas solemos llevarnos la contraría a nosotros mismos, y yo en este momento lo haré. Siempre dije que el arte no es más que aquello que "la institución arte" considera como tal. Es decir, lo que la cúpula de ésta jerarquía formada por coleccionistas, comisarios, críticos, artistas... decide que debe ser. Bien, el Paupac Azul aún no ha sido considerado por esta cúpula. La institución arte todavía no ha dictado sentencia, pero yo sí lo haré. El Paupac Azul es arte. Arte con mayúsculas y además es transmedia. Son palabras, textos escritos, recitados por Paula y enlatados por Paco, que al principio se acompañaban sólo de música y volaban (porque el Paupac es un pájaro azul) en un archivo de audio. Ejemplos de esos primeros vuelos son #5LaFuerzaDeIrse, #11Amor o #13ContraLaRenuncia. Palabras que arañan, revuelven, hacen reflexionar, llorar, rugir, rerir, querer y todo con sencillez, entendible y asumible por todos, adopatable por cualquiera que esté viviendo aquí y ahora:

"La fuerza de irse tiene cabeza y no es arrebato. Es la manifestación de que te estás ahogando, de que ya basta de que te coman el alma (...) Los que lo saben, los que han tenido la fuerza de irse, ya siempre la llevan consigo (...) Llevan en la cara algo de héroes nuevos y urbanos". #5LaFuerzaDeIrse

"El amor es tiempo. Tiempo entregado a la mirada del otro, a escucharle, a disfrutarle, a soportarle. El amor que no regala tiempo, no lo es". #11Amor

Después de algo más de un año, Paula y Paco, decidieron acompañar las palabras y la música con imágenes. ¿Es vídeoarte?, ¿Intervenciones?. No sabría contestar a esta pregunta, lo que sí sé es que si tienes alma, te la agarran. Si tienes corazón, te lo rasguñan. Si tienes preguntas, angustia, sueños, ganas, ellos tienen  unas muy parecidas. A lo mejor hasta las mismas:

"Un aeropuerto es un lugar donde se igualan los humanos al quitarles los zapatos y dejarlos desprotegidos en una postura tremendamente extraña entre cientos de otros extraños" #21Aeropuertos

#21Aeropuertos

"Lo que escondo a veces está justo en la superficie, y lo grito como si no fuera un secreto que esconder justamente para esconderlo. Pero otras veces está al fondo del todo donde casi no se llega por lo que hay apilado encima, y cuando sale duele y deja rozaduras" #20LoQueEscondo

#20LoQueEscondo

"Tú, que me armas con esa creencia absoluta en nosotros y en nuestras acciones. Esa sensación sin fisuras a favor de la supervivencia y del futuro ahora es, aún si cabe, más importante. Son tiempos complejos donde todo es mentira pero todo es real, y la miseria y la violencia se han vuelto estéticas y solapadas" #24Confianza

#24Confianza

Y sí, yo he encontrado mi grupo, o mejor, uno de mis grupos. La primera vez que me acerqué a su página (su nido), el Paupac me agarró por dentro. Quizá es que me siento identificada con la mayoría de sus palabras.  Quizá sienta que ellos han puesto imagen, frases, música, plástica a muchas cosas que yo siento, pienso y quiero. Con sencillez pero contundencia. Con convencimiento pero delicadeza. Justo como yo las diría si hubiera sido capaz de hacerlo.

Y me paro en otro vídeo, escucho otro mp3, y vuelvo a preguntarme: ¿ésto es arte?. Mi cabeza y mis tripas buscan entre todos los conceptos, todas las definiciones dadas por otros. Esa gente que ha dicho cosas importantes y que el mundo del arte, la institución, escuchó y tomó como válidas. Me digo: ¡sí, encaja!. Pero me doy cuenta que donde más encaja es en mi propia definición. Si hay un arte, si existe, el Paupac Azul lo es. Es una visión de este tiempo y este lugar. Una pregunta más que una respuesta, un planteamiento en voz alta, en imágenes, en música. Todo pensado, guisado y planeado. Hecho con amor de manera casi artesanal. Es arte, no cabe duda. 

"Hay que soñarse grande. Estar vivo cuesta (...) Nunca estamos preparados para que no nos quieran" #25LoAprendido

#25LoAprendido

Porque el arte puede vivir en los márgenes. Vive, también, fuera del (mundo del) arte. El Pauac Azul ya ha anidado en varios lugares: bares, restaurantes, librerías. Pasó por TedxPlazaCibeles y ahora lo podemos encontrar en 8 y medio libros de cine, donde se exponen sus dos últimas obras: #24Confianza y #25LoAprendido. Esta exposición está comisariada por Inma Turbau y podréis visitarla hasta el 2 de febrero. En palabras de Inma:

"Su arte transmedia, contemporáneo en la técnica e intemporal en los conceptos, hace lo que a muy pocos creadores les he dado entregar: el pensamiento, la reflexión, la duda, la pregunta envuelta en emoción, en sentimiento no sentimental, en humanidad".

Paupac Azul sobrevivirá al invierno porque muchos esperamos cada nuevo vuelo de este pájaro extraño.

Que no te falten las ganas. Probablemente, mañana, haga sol.

Capítulo 20. DAR LA VOZ AL OTRO.

Estos días hemos estado intercambiando ideas en twitter a raíz de la publicación de dos artículos en blogs sobre museología: el de @MuseoGoGreen #ProyectoNoTocar Cómo inventar un museo sin prohibiciones. y el de @sabope Museos, ¿espacios de veneración y de culto o espacios sociales?. En ambos, aunque el tema no es exactamente el mismo, se plantea el distanciamiento existente entre la institución museística y el público, sea por excesivas, constantes y en muchos casos, absurdas prohibiciones que nos imponen en la visita o bien por el aura de lugar sagrado que muchos (la mayoría) de nuestros museos tienen. Al final, el museo sigue siendo "el templo del arte". Por supuesto os animo a leer ambos artículos y a participar con vuestras opiniones. Yo por mi parte intentaré dar lo que considero son las claves para comprender esta situación. Quizá pique. Al menos, eso espero.

En primer lugar, los mismos profesionales son los que establecen esta distancia. En muchos casos por desconocimiento ya que no conocen las estrategias, los recursos, las vías que es necesario activar para llegar al público. El no conocerlas no sirve de excusa en ningún caso, y además, resalta el tipo de profesional que realiza las funciones de museólogo. Y sí, no todos los que trabajan en museos son museólogos (sea por curiosidad e investigación, sea por formación) ni todos los museólogos trabajan en museos. A la vista está. Si sigo profundizando en esta idea puedo extenderme hasta el infinito, y no quiero. Tengo todavía otras ideas que desarrollar pero sí os dejo planteada una pregunta para que, en otro momento si queréis, la contestemos entre todos: ¿es justa la selección del personal en los museos públicos? ¿con el tipo de oposición existente es posible valorar a los candidatos? ¿se consigue descubrir si son capaces de llevar a cabo el trabajo que un museo de hoy requiere? En esta misma línea decir que hacer del museo un lugar de encuentro, reflexión, identidad, interpretación de la realidad, etc, supone que el profesional, digamos, el museólogo (trabaje en el departamento en que trabaje) debe de conocer al público, a la sociedad en la que se encuentra instalado, al visitante que llega de fuera y trae con él otros registros. Ésto ya por sí mismo es un trabajo durísimo que muchos no están dispuestos a hacer simplemente porque dirigen o trabajan en un museo que, con máscaras, vive de espaldas a su ciudad, su barrio, su pueblo. El recortar las distancias entre el museo y el público supone bajar del pedestal, DAR LA VOZ AL OTRO, pues sabiendo a quién nos dirigimos y con quién queremos dialogar podremos abrir los caminos necesarios. Ello requiere de un gran compromiso (también por parte del público, ¡ojo!) y lo que es más importante: estar dispuesto a escuchar, a valorar, a aceptar como útiles otras visiones del mismo hecho que no por no ser de especialistas (¿quién dice que en nuestro público no hay también especialistas?) dejan de aportarnos riqueza. El profesional, sentado en su trono, tiende a infravalorar las opiniones externas y adopta un tono paternalista: escúchame y aprende. QUÉ EQUIVOCACIÓN MÁS GRANDE. Pero claro, si yo soy alguien porque soy de los que sé, y al darte la voz a ti acabas teniendo la misma relevancia que yo, ¿en qué me convierto?... Perder el estatus de élite, ese es el problema.

En muchas ocasiones se culpa de la falta de cercanía a la carencia de medios económicos. Es verdad que nuestro patrimonio, nuestros museos son muchos y ricos, por lo que el dinero siempre es un problema, pero es primordial usar ese dinero en construir comunicación porque recordemos que el patrimonio es público y los museos también lo son. Es responsabilidad de los profesionales del museo y de los que están por encima de ellos, el hacer llegar los contenidos y valores que éstos contienen y acogen. Que lo público sea público y no un escaparate para glorificar a artistas, directores, comisarios, etc. Se debe entender, por tanto, este trabajo como RESPONSABILIDAD CON LA SOCIEDAD, y no como una lanzadera personal. Se puede y se debe optimizar los recursos pues con buenas ideas, con objetivos claros y con un equipo "empastado" que trabaje de forma transversal, se consiguen cosas. Sin duda. No hay que tener miedo a que alguna experiencia no tenga éxito. Siempre será peor no intentarlo.

Estamos hartos de leer estadísticas sobre visitantes a tal o cual museo. Es un dato, cierto, pero no totalmente objetivo, primero porque las estadísticas se falsean. Sí, se falsean. No digo que todas y no digo que siempre. Pero se hace. Segundo porque, que una exposición haya tenido muchos visitantes no quiere decir que haya calado, que haya fidelizado al público, que haya enriquecido. Últimamente los museos públicos parecen más empresas privadas con campañas de publicidad que ya querrían muchos. Eso no es comunicación. Es una camiseta de moda, una canción que suena en la MTV, un libro de autoayuda. No, ese no es el concepto de museo. Esto enlaza con cosas ya dichas: glorificación y lanzaderas personales, disfraces de "somos un servicio público", gastamos demasiado dinero en publicidad pero no tenemos recursos para crear comunicación, escuchar, dialogar. No soy partidaria de tratar a la gente como rebaños ni de hacer que la visita al museo sea "lo que no te puedes perder" publicado en la revista de una peluquería. La visita al museo debe ser voluntaria, hay que estar interesado. No podemos culpar al público de no tener interés si no nos hacemos necesarios. Si sólo les pedimos que vengan cuando nos interesa publicar las estadísticas de visitantes. Os propongo algo: pensad en algún museo al que hayáis ido que, por la forma de exponer e informar, parezca más bien una galería de arte. ¿Lo tenéis? Estoy segura de que cada uno ha visualizado un caso concreto. Bien, pues, con mucha frecuencia, ésto no es una simple tendencia estética. Diría que es más habitual aún en museos y centros de arte contemporáneo. No perdamos de vista que el mercado del arte corre paralelo a estos museos. ¿PARALELO? (...)

El patrimonio, sea en la forma que sea, se degrada. Es una de las labores del museo recogidas por el ICOM (International Council of Museums), el preservarlo y conservarlo. Esta tarea, en muchos casos choca frontalmente con la de difundirlo. ¿Es más importante conservar o difundir?. Es cierto que habría que valorar los casos concretos, pero no es menos cierto que existe la tecnología y los recursos para poder cumplir con ambas. Vídeos, copias, paneles explicativos e interactivos, vitrinas, correcta señalética... Mil formas de difundir sin degradar. Las hay, sólo hay que buscar la que más se adapte a nuestras necesidades. Aún así, la que yo propongo es inmaterial y no corresponde únicamente al museo: la concienciación. Cuando una persona, un grupo, una sociedad se siente identificada con su patrimonio, lo reconoce como propio y lo valora. Es necesario que la sociedad en su conjunto, a través de la cultura y la educación, ponga en valor su patrimonio y vele por él. Parece difícil ahora, ¿no?. Veremos...

Las teorías que defienden un museo verdaderamente social, que revolucionan y piden el cambio, la ruptura con el "museo templo", se vienen dando desde los años 60. Hace más de 50 años de ésto y parece increíble que aún nos sigamos planteando ideas tan arcaicas. Se ha hecho mucho, claro está. Tenemos ejemplos estupendos de ello. Si os interesa leer sobre ésto, os aconsejo el libro de Nina Simon "The Participatory Museum".

Quiero aclarar que en este post hablo en todo momento de museos públicos. Las instituciones privadas tienen distintas connotaciones y es curioso que ellas son muchas veces las que más invierten en este diálogo con el público. Otro tema sobre el que reflexionar, pero eso ya, otro día.

Capítulo 15. TODOS LOS NOMBRES.

En ocasiones siento que mi blog se ha convertido en una especie de departamento de quejas. Quizá la mayor parte de mis entradas son críticas, señalan defectos, quitan el disfraz a diferentes situaciones... Más tarde pienso que éste es el lugar que he concebido para decir lo que pienso sin cortarme, y que, por supuesto, también alabo el buen hacer de muchos centros, instituciones y profesionales. De hecho, mis siguientes entradas las dedicaré a mis últimas experiencias en la Fundación Cultural Mapfre, la galería Sabrina Amrani y el Museo del Romanticismo. Hay que reconocer el trabajo bien hecho y las iniciativas enriquecedoras, y por supuesto, también lo haré.

En esta entrada voy a mezclar varias críticas que, sin querer, mientras redactaba el artículo en la mente, se tropezaban unas con otras. De todas formas, quiero dejar constancia de que mi deseo no es hundir en la miseria a ninguna institución, es más, no suelo decir nombres y quien quiera saber, seguro que encuentra la manera. No lo hago porque creo más que suficiente analizar el problema, incluso hacerlo genérico, y porque, nada es del todo blanco ni negro, así que quizá aunque haya fallos también puede haber virtudes (puede ser...).

Por último, quiero que se tenga en cuenta que todas las opiniones que vierto en el blog, son opiniones profesionales, basadas en mi experiencia y formación. Creo necesario el debate y la crítica (también a mis opiniones). Me gusta la discusión, que no la pelea, pues es el camino para avanzar.

Pues bien, con los últimos artículos y el programa "Salvados: cuando éramos cultos" sobre museos hechos por grandes arquitectos y que ahora se encuentran vacíos de contenido, me vino a la cabeza una situación paradógica que tuve la mala suerte de presenciar.

En un museo del extranjero donde trabajé, durante mi estancia, tuve la "suerte" de asistir a un gran acontecimiento: la preinauguración. Ya este concepto de "preinauguración" me deja alucinada, pues fueron 3 días de celebración, con brunchs, comidas, cenas, conciertos, sobre unas 15 exposiciones montadas... y todo ésto, con dinero público, pues es un museo del ayuntamiento de aquella ciudad. Voy empezar mi crítica por aquí. Resulta que en esos mismos días y con aquella misma duración, se realizaban los actos inaugurales de otro museo de arte contemporáneo, en este caso, nacional. ¡¡¡Oh Dios!!!, ¡no podemos ser menos!!!, ¡debemos subirnos al carro, aunque nos gastemos el dinero que 4 meses más tarde, necesitaremos para la auténtica inauguración!, aunque no paguemos NADA a nuestros becarios que trabajaron más de 10 horas al día durante 16 días seguidos (mi convenio era de 5 horas diarias y durante 6 meses no hubo un día que trabajara menos de 9) mientras sus jefes se iban a jugar al pádel; aunque a los pocos becarios que contratamos después de dejarse la piel en su periodo de prácticas, les paguemos 800 euros al mes pero agrupado de 3 en 3 meses; aunque haya obras en riesgo en los almacenes y las salas por la mala climatización y adecuación, etc, etc... Así que, podemos estar contentos, la explotación y el desvío de fondos públicos para colgarse medallas políticas no sólo ocurre en España. Hay países en el resto de Europa que lo hacen igual de mal que nosotros e igual de descaradamente. ¡Qué bien!.

Pero continuaré analizando el tema. Aquel otro museo, el nacional que se inauguraba, era un proyecto de la mega arquitecta Zaha Hadid, y como nosotros no podemos ser menos (sólo tenemos algo menos de dinero), se lo encargamos a Odile Decq, arquitecta francesa un poco menos molona que Zaha.

Como en este mundo todo se sabe, a mi oídos llegaron críticas al proyecto de Zaha que no se adaptaba a la perfección al fin de museo. Pero ésto sólo son rumores, así que comentaré lo que no son rumores, porque lo vi con estos ojitos. La sala principal de la ampliación del museo en cuestión, de dimensiones enormes, no recuerdo los metros cuadrados, pero podéis creerme, tenía un pequeño error: el techo caía inclinado, y el muro que da directamente a la calle no lo era, por lo que quedaba un agujero en forma triangular de unos pocos metros cuadrados. Señoras y señores, estamos hablando de una SALA DE EXPOSICIONES, la temperatura y la humedad, la luz, la contaminación, deben de estar controladas al 100%, pero con un agujero de esas características, ¿cómo lo hacemos?. Pero no, aquí no acabó la diversión... Estábamos montando una de las obras, nosotras las conservadoras, comisarias, uno de los artistas y su asistente cuando sentimos un aleteo. Habían entrado PALOMAS, sí palomas. Esos animales que se cargan la piedra de edificios históricos con sus excrementos, y que, en esa sala, habían encontrado un sitio ideal para vivir. Por supuesto, el artista al ser consciente de la amenaza, quiso llevarse su obra. Normal. La cara de todas nosotras era de foto: un color se nos iba y otro se nos venía. Como pudimos intentamos solucionar el asunto, lo que significa, gasto de dinero.

Seguramente este fue el hecho que más nos hizo sudar, pero no es el único error cometido por esta gran arquitecta en su proyecto. Una de las claves de la ampliación era aumentar el espacio de almacenaje. Recordemos las dificultades de almacenaje derivadas del arte contemporáneo: variedad ilimitada de materiales con diferentes características para su conservación, la diversidad de tamaños, incluidos grandísimos formatos, etc. Nada mejor que un edificio de nueva planta para solventar todas estas cuestiones, ya que, quien lo diseña tiene todas las facilidades para que el edificio se adapte a la perfección a su función y fin. Pues amigos, no fue así. Los almacenes, aunque con muchísmos metros cuadrados, tenían la altura de una habitación normal (no más de 3m) y, para más inri, están llenos de columnas muy próximas unas a otras. ¿Pensaba la arquitecta que era un museo de miniaturas?, ¿cómo almacenamos una obra de gran formato ahí?.

De todo esto, saco diferentes preguntas que creo, deben de ser planteadas de una vez:

-¿Por qué encargar proyectos de museos con coste millonario a mega arquitectos?, ¿es solamente una cuestión de fama, reputación, o responde verdaderamente a las necesidades culturales y museológicas?

-¿Por qué esos proyectos, que deberían ser impecables, no cumplen con la función para la que han sido encargados?

-¿Por qué el equipo de profesionales (doy por hecho que lo son) que han encargado el proyecto y que lo pagarán con dinero público, no corrigen y detectan los fallos del proyecto a tiempo?

-¿Prima la imagen de cara a los medios a la conservación de las obras, o incluso en muchos casos, a la adaptación a las necesidades de las personas?. Ejemplos de museos de nueva planta que no están adaptados al uso de las personas con cualquier tipo de discapacidad hay muchos, pero no sólo eso, hay museos de nueva planta a los que le faltan, por poner un ejemplo, barandillas en las escaleras, porque así son más estéticos. ¿Y la seguridad de las personas?. De accesibilidad se habló el lunes en #Cultura18 , charla que cada lunes tiene lugar en twitter y en la que profesionales, interesados y amigos, planteamos problemas y soluciones para la cultura actual.

La farsa política, la típica postura de "yo la tengo más grande" pero en este caso, mi museo lo ha hecho un arquitecto de más renombre que el tuyo, nos ha llevado al despilfarro de millones que no vienen de manos privadas, sino del contribuyente. Además, los defectos en estos edificios (perdonadme, es que no deja de sorprenderme que arquitectos consagrados sigan cometiendo errores gigantescos como los que he contado) se traducen en más dinero, en problemas de base para el museo y en riesgo para visitantes y trabajadores.

Lo bueno de las crisis es que no deja dinero para lo superfluo. Esperemos que hayamos aprendido algo.

Capítulo 12. LA CULTURA EN ANDALUCÍA: ¡ANDALUCES!, ¡LEVANTÉMONOS DE UNA VEZ!

Andalucía me gusta, es normal, es el lugar donde nací. Supongo que a todos nos pasa eso. Pero eso no significa que no pueda ser crítica con muchas de las cosas que ocurren aquí. Es más, lo creo una necesidad. Mirarse el ombligo nunca ha sido sinónimo de progreso.

No es discutible la riqueza de nuestro patrimonio histórico-artístico, ni las posibilidades que de él se derivan. La construcción de cultura, la gran cantidad de profesionales, artistas, pensadores, gestores culturales, etc. ¿Entonces, por qué nos encontramos en esta situación?.

                                

Bien, creo que debería primero, decir cuál es, en mi opinión, la situación a la que me refiero. Me parece realmente asombroso que, teniendo esta materia prima y personas formadas para poderla difundir, conservar, estudiar, nos encontremos con un éxodo extraordinario de profesionales. Yo la primera, ya que a falta de salidas profesionales aquí, he estado y estaré encantada de ir allí donde se me reconozca y se me necesite.

¿Por qué, por ejemplo, en el ámbito de los museos es imposible conseguir un trabajo?. Te sientes afortunado si consigues una beca de 3 meses en la que no te pagan, haces el trabajo de un profesional (no en prácticas, sino, en la mayoría de ocasiones, suples la falta de ese profesional) y que no tendrá continuidad, porque claro, somos muchos y siempre habrá alguien dispuesto a trabajar gratis. En ocasiones, hasta consigues un puesto, que estará por debajo de tu formación o en el que las condiciones laborales serán pésimas. Pero te prometen que tu oportunidad llegará. Y no, no llega. 

                                  

Y bien, podéis decirme "ésto ocurre en toda España". Sí quizá, pero me resulta como poco curioso que, dejando al margen los museos a los que sólo se puede acceder aprobando una oposición, el resto están dirigidos y gestionados por profesionales de fuera. En principio no dudo de la valía de estos profesionales, aunque, ¿por qué no?, quizá deberíamos estudiar los casos. Lo resalto, porque me resulta muy significativo que ésto no sea una excepción, sino una constante en las instituciones museísticas. ¿Ejemplos?. No los creo necesarios, supongo que todos tenemos los nuestros en la cabeza...

                                    

Pero lo peor de todo no es eso. Lo más grave es que, al final, uno se acaba creyendo que todo lo de fuera es mejor. Que cualquier cosa que venga de más arriba de Despeñaperros, sólo por eso, ya es digna de que nos postremos. Estamos acostumbrados a ser siervos, a que los demás nos manden, nos digan qué y cómo, y nosotros obedecer. Y es que, no seremos reconocidos hasta que no nos reconozcamos nosotros. ¿Por qué estos complejos?, ¿por qué este sentimiento de inferioridad?.

Por otro lado, me aburre soberanamente la actitud de algunos andaluces culpando de todos nuestros males a los demás: el Gobierno autonómico, el central, Europa, EE. UU., o hasta a Dios "que nos dio esta maravillosa tierra, pero que nos hizo vagos". ¡NO LO SOPORTO!. 

Y nos enfadamos por los tópicos que circulan sobre los andaluces: que si estamos todo el día con el fino y las sevillanas, que si somos unos beatos retrógrados, que si viva la Semana Santa y la Virgen del Rocío... ¿Estamos haciendo algo, cada uno de nosotros, por cambiar esa imagen?. Yo sí, o eso creo y espero. Por ello me duele darme cuenta de que muchos prefieren ser "la Juani" de esa serie horrorosa que era "Médico de familia", a ser Lorca, María Zambrano o Falla.

Tenemos miedo de ser independientes. Poco a poco, van naciendo empresas e iniciativas culturales originales y de calidad, y aunque a trancas y barrancas, muchas van hacia delante. Podemos. Basta de excusas.

                                               

¿Y los que tienen la posibilidad de crear empleo?, los que tienen el poder adquisitivo para hacer de Andalucía un lugar próspero, con alternativas, ¿hacia dónde están mirando?. ¿Creen en sus conciudadanos?. Las administraciones públicas, ¿creen ellas o deciden dar a dedo los puestos relevantes en cultura, sin primero, sopesar el valor de los profesionales de forma igualitaria, democrática?.

Andalucía es una tierra extraordinaria, pero, mientras no seamos nosotros mismos los que nos valoremos, será difícil que lo hagan los demás.

Capítulo 11. REFLEXIONES DE UNA NOVATA EN ARCO

Enfrentarse a la hoja en blanco es realmente duro. Más cuando es la primera vez que escribo sobre algo que no creo conocer del todo bien, o al menos, de primera mano. Nunca había asistido a una feria de arte, aunque por supuesto, he seguido las noticias sobre ellas. 

No quiero perder de vista en mis opiniones que las ferias, junto con las subastas, son por excelencia el lugar donde el arte es verdaderamente mercado. No es que en el resto de lugares o instituciones no lo sea, pero quizá en ellas se hace verdaderamente patente y, por ello, no debemos olvidar que primarán las sinergias propias del mismo, por encima de otras que pudiéramos considerar como más "espirituales" o "emocionales". Y al final, el valor sentimental del arte, ¿no es un valor añadido?. A veces me lo planteo seriamente, después, miro una obra de alguno de mis artistas preferidos o algún recién llegado que me fascina, y vuelvo a creer que el arte es algo más. Que puede cambiar en algo el mundo. Ésta es mi lucha interna, la batalla entre el objeto de mercado y el significado emotivo y de diálogo del mismo. Puede ser que los que han conseguido copar los dos ámbitos sean los grandes. Puede ser, quizá....

En principio debo decir que la feria me gustó, pero que al mismo tiempo me pareció poco atrevida, nada de transgresión, nada de riesgo, una apuesta clara por lo "clásico": pintura, algo de instalación y poco más. Es lógico pues, en tiempos de crisis, las galerías supongo que apuestan por los valores seguros, por las ventas claras, pero... ¡estamos en el siglo XXI!!!!, ¿qué pasa con los pioneros?, ¿con los que innovan?, ¿con los artistas más singulares que experimentan?. ¿Dónde está el relevo generacional?. De todos modos, es imposible negar el placer de contemplar un Bacon, algo de Marina Abramovic, unas fotografías de Mapplethorpe, etc. Y como no, saber el precio. Esas cifras que hacen que los ojos se te pongan como platos y que entiendas por qué tú nunca pertenecerás a ese grupo tan selecto. Lo bueno es que tengo ojos y algo de criterio creo que también. La capacidad de sorprenderme, ser crítico o emocionarme, no me la quita nadie.

Comenzaré hablando de Eugenio Merino y su obra "Always Franco". No puedo decir que no esté lograda, conseguida, eso es obvio, pero a mi parecer, no aporta nada. Bueno sí, polémica. Me da la sensación de que se ha seguido el dicho "que hablen de mí aunque sea mal". Me parece absurdo todo el revuelo organizado entorno a la obra, que al final, tampoco me parece tan crítica. Hay obras menos escandalosas que son mucho más afiladas, denuncian mucho más, pero claro, no son tan directas. Te debes parar a mirar y reflexionar.

Eugenio Merino

Hubo cosas que me hicieron sentir en casa, como la alegría de ver a "viejos" conocidos. Algunos que empiezan prácticamente su andadura y otros que llevan ya años luchando, buscando su sitio y que parece, lo van encontrando, cosa que me hace muy feliz. Entre ellos Javi Calleja, Santiago Ydáñez o Daniel Canogar.

Javi Calleja

Santiago Ydáñez

Daniel Canogar

Dos obras, dos autores, que no conocía y realmente me sorprendieron muy gratamente. Una de estas obras fue "Carroña" de Javier Pérez en la galería Carles Taché. Me fascinó por su elegante crítica, poesía visual, atrayente. La otra, que creo, pasó desapercibida quizá para muchos y que me mí me pareció fantástica, delicada, elegante, es la obra "Me despido de ti III" de Jorge Mayet (galería Horrach Moyà). Artista cubano afincado en Mallorca. Algunas de sus declaraciones para el "Diario de Mallorca": "Pienso en imágenes y creo que las imágenes contemporáneas están basadas en la realidad pura y dura. No veo la diferencia entre pintura y escultura. La imagen es lo que prima en lo que cada uno quiere contar"

Javier Pérez

Javier Pérez

Jorge Mayet

Quiero resaltar una galería colombiana, "El Museo", por algo lo latinoamericano está de moda. Buenísima calidad de obras y de artistas, como Juan Francisco Casas.

Juan Francisco Casas

Juan Francisco Casas

Muy interesante me pareció el stand de "El País" dedicado al graffiti. El que me gustara no deja de hacerme pensar sobre una cuestión: ¿Es necesario que un arte callejero se mueva en este tipo de eventos?, ¿no pierde así su sentido, su libertad, su capacidad crítica?. Ahí lo dejo...

                                     

                                     

       

                                     

Una obra a resaltar de Fernando Sánchez Castillo en la galería Juana de Aizpuru, es la siguiente instalación:

Fernando Sánchez Castillo

                                     

Una imagen simple, clara, que nos evoca los cuarteles de la Guardia Civil (con todo lo que eso conlleva) y que está cargada de crítica irónica. No es tan llamativa como "Always Franco" por supuesto, pero ahí, en su rincón, es tan afilada como la otra, o más. Sacude, transmite a la perfección la idea. Podríamos calificarla de conceptual, pero el concepto es claro. Para mí, mucho mejor ésta, a todas luces.

Por último podría subir imágenes de los clásicos que había por todos lados, pero no lo considero necesario, ya que todos sabéis quiénes son y qué galerías los mostraban. 

Pues para terminar, mi conclusión: ARCO valió la pena. Me gustó aún sin ser lo transgresor que esperaba. Los grandes son apuestas seguras y las galerías no están dispuestas a perder un euro. Una feria de arte comtemporáneo "clásico", pero de calidad, como no. Por otro lado, me encantó ver que había mucha gente joven, gente que parecía estar ahí como yo, sólo para observar y disfrutar, y de camino, aprender algo sobre todo ésto, que no es fácil. Así que en resumen, sí hay gente interesada por el arte contemporáneo y mucha. De todos los niveles además. Pero me preocupa una cosa. La accesibilidad. 40 euros de entrada es un precio prohibitivo para muchos de nosotros (estudiantes, personas en paro aunque profesionales del sector, etc). Yo me puedo dar con un canto en los dientes ya que entré, gracias a mis amistades dentro de estos espacios, con entrada VIP (¡yo VIP!!!!), pero me imagino la gente que le hubiera encantado ir y que no pudo por esta razón. Está claro, que no el arte en sí mismo, pero sí su mercado, su mundo, es elitista. Bienvenidos a esta partida de ajedrez. Los peones también sois importantes, aunque sea para hacer relleno.