Durante la semana de ARCO y el resto de
ferias de arte en Madrid, aparecieron unas fotos por mis redes
sociales que captaron absolutamente mi atención. Eran fotos de
colegas y amigos que habían asistido a lo que parecía ser una
inauguración pero que, cuanto menos, era bastante extraña. El
título de todas las fotos era: "Se alquila cuarto SEMI
amueblado".
Estando Susi Blas de por medio no podía
tratarse de otra cosa que un proyecto artístico, pero veamos: ¿en
una casa? ¿una casa con sus inquilinos dentro y todo? La respuesta
es sí.
El Cuarto de Invitados es un proyecto
sin ánimo de lucro recién estrenado. "Un espacio en nuestra
propia casa, un piso en el céntrico barrio de Lavapiés", dicen
en su web los nueve anfitriones (anfitriones todos aunque
solo tres viven en ese piso), que han puesto la iniciativa en marcha.
Son nueve chicos licenciados en BBAA por el CES Felipe II de
Aranjuez: Antonio Gómez, Víctor Gutiérrez, Ciprian Burete, Marta
Abril, Juan Jurado, Valeria Cámara, Manuel Ruiz Francisco Javier
Ruiz y Milad Nouiouat, y que además de llevar a cabo sus propias
propuestas artísticas, han decidido impulsar la gestión de un
espacio íntimo en el que la experiencia artística/crítica es la
principal preocupación. Un lugar que quiere cambiar el contexto en el que se disfruta del arte contemporáneo, si
no absolutamente, sí en cuanto a su capacidad de acción: del espacio institucional al
espacio de intimidad.
¿Y qué ocurre, entonces, cuando
abrimos nuestros espacios privados a los otros con una intención
artística?
El primer rasgo característico de esta
experiencia es la autogestión. Siendo el salón de su casa una sala
de exposiciones, como habréis pensado ya, no cuentan con presupuesto
institucional ni público para sufragar los gastos que las exposiciones ocasionen ni, por supuesto, para pagar a artistas ni comisarios. Me
pasa por la cabeza que eso en este país no es demasiado extraño,
que la mayoría de las exposiciones no contemplan el pago a los
artistas, y los comisarios solo pueden atreverse a pedir unos
honorarios cuando ya tienen una larguísima trayectoria o en
circunstancias muy especiales. Lo que sí proporciona la autogestión
es una mayor libertad temática, ideológica, artística, social. En
esta habitación se puede hablar de todo: puede reflexionar el arte
sobre sí mismo, sobre el nosotros como sociedad, sobre el otro para
reconocerlo, sobre problemáticas del ahora.
El primer comisario fue Óscar Alonso Molina, doctor en BBAA, comisario independiente y profesor de los
nueve anfitriones que ha guiado y apadrinado el proyecto desde el
inicio, y que llevó los dibujos del artista Abdul Vas a la
habitación llenándola de murales, escenas de conciertos de AC/DC.
Óscar eligió y pasó el relevo a Susi
Blas, profesional a la que admiro y aprecio, historiadora del arte
contemporáneo especializada en creación audiovisual, comisaria y
crítica con especial atención en las cuestiones de género. En la
actualidad es redactora del espacio cultural de televisión
Metrópolis de TVE2. Susi seleccionó al artista Dosjotas conocido
por sus intervenciones urbanas cargadas de crítica política y
social: "La ciudad vista como un
campo de acción e intervención artística. No desde una perspectiva
formal, estética o decorativa, ni como una visión monumental del
espacio público, sino como el terreno concreto donde cuestionar y
criticar nuestra sociedad, nuestros hábitos y nuestras ideas."
El proyecto "Cuarto SEMI amueblado" se ha lanzado de forma inteligente e irónica en
páginas de alquiler como Idealista y otras, haciéndonos dudar si se
trataba de un proyecto artístico o, verdaderamente, se alquilaba una
habitación "sin calefacción ni baño" al precio de 2200
euros + 2200 más de fianza.
El Cuarto de Invitados está ocupado
por dos literas viejas, arañadas, desconchadas, con colchones sucios
y rotos, y nada más. A la entrada, en el hall del piso, encontramos
los carteles de "SE ALQUILA" con todos los detalles; algunos de los
correos que los usuarios de estas páginas inmobiliarias preguntando,
asombrados, si ese es el precio verdadero o sobra algún cero; varios
comentarios en redes sociales sobre los anuncios (entre ellos, los
míos); un vídeo promocional siguiendo la estética propia del
mercado inmobiliario y una hoja de sala en la que más que un texto
comisarial se plantea un choque entre tres factores: la visión del
mercado (inmobiliario y artístico), la visión del joven profesional
que busca habitación en un lugar "cool" de Madrid, y la
visión del migrante obligado a una "cama caliente".
Un proyecto redondo en mi opinión, que
da lugar a la reflexión no solo sobre la realidad de los jóvenes en
cuanto a acceso a la vivienda, también a la problemática de este
mismo acceso de los migrantes que viven en Lavapiés, y de camino, al
valor y precio de la obra de arte. Valor cultural/social y precio
económico. ¿Cuánto puedes pagar por un lugar en el que vivir tú
artista, tú gestor cultural, tú vendedor ambulante? ¿Cuál es el
precio de una obra de arte en el mercado? ¿Y fuera de él? ¿Y en un
cuarto de invitados?
Si bien es cierto que este tipo de
experiencias ya se han presentado con anterioridad en España, no
podemos decir que exista un verdadero tejido de iniciativas
artísticas autogestionadas como en Alemania y otros países de Europa. Un ejemplo es Casa Sostoa en Málaga, proyecto
con unos cuantos años ya de recorrido y que en este momento expone la obra de Moreno/Grau. Existen otros tantos en Madrid o
Barcelona, pero quizá esta es la primera vez en la que el conjunto
de acciones resulta verdaderamente abierto a los agentes externos al
colectivo.
El siguiente comisario ha
sido ya anunciado: Susi pasa el relevo a Javier Díaz Guardiola, pero
no será siempre así. De forma puntual en el futuro abrirán convocatoria para selección
de proyectos comisariales. El colectivo también está interesado en la realización de actividades paralelas que se desarrollen en torno a la exposición del momento.
El cuarto SEMI amueblado sigue en alquiler. Podéis pasar a visitarlo los sábados y domingos de 12 a 14:30, y si os apetece,
también podéis comenzar a idear actividades o exposiciones para
presentar cuando llegue el momento.
Hay quien dona su cuerpo a la ciencia;
yo lo he entregado al arte.
Orlan.
La Performance Art se ha convertido en
una disciplina artística muy difundida en los últimos años y es
hoy, más que nunca, cuando el gran público tiene en mente algunos
de los principales representantes como Marina Abramović. Ella se ha
convertido en ídolo de masas, más aún, desde su colaboración
con Lady Gaga a la que impartió clases del Método Abramović. El vídeo resultado de estas clases se convirtió en viral en tiempo
récord. Lejos de las muchedumbres, la
Performance Art ha estado, desde que se configurara como disciplina
en los años 60, alejada de lo institucional, celebrándose en
ambientes intelectuales, o bien, llevándose a cabo en lugares
públicos con la intención de remover conciencias, de provocar al
transeúnte. Podemos encontrar sus antecedentes en diferentes
acciones poéticas y teatrales realizadas por futuristas, dadaístas
y surrealistas.
El performer, como bien dice Orlan,
entrega el cuerpo al arte, convirtiéndose así en soporte de la obra
y, con ello, lo pone a su servicio pintándolo, mutilándolo,
travistiéndolo, transformándolo en acción (siendo el cuerpo el
que la realiza), en gesto. La desobjetualización artística que se
da en la performance, y que la hace partícipe del arte conceptual,
supone que ésta sea un arte efímero, imposible de poseer en el
tiempo. Es indispensable, por tanto, el documento. Son tanto las
fotografías como los vídeos la única huella que queda de la misma
y que nos hace posible el estudiarla, investigarla, disfrutarla o,
también, comprarla y venderla. Es un arte de emoción y comunicación
que establece una relación directa y empática con el público.
Ligada a los movimientos artísticos
más transgresores y reivindicativos política y socialmente hablando
(prueba de ello son las performances feministas de los años 70 de
Susan Lacy, Ana Mendieta o Valie Sport, entre otras), la performance
puede reunir en sí misma diferentes categorías: happenings,
body-art, behaviour art, action painting, etc, que se diferencian en
matices, siendo los elementos aglutinadores el cuerpo y la acción.
La situación política en España a lo
largo del siglo XX hizo difícil el desarrollo de ciertas disciplinas
artísticas, la performance es un claro ejemplo de ello. No es
extraño, pues, que la mayor parte los performers nacionales sean
unos grandes desconocidos entre las personas no especialistas. A
pesar de ello, en nuestro país ha habido y hay, artistas dedicados a
este arte que no están, ni mucho menos, alejados de las tendencias
internacionales.
Como principales representantes
podríamos señalar a Joan Brossa con sus accions espectacle o post
teatre, en las que el artista juega con la sorpresa y el desconcierto
que producen en el espectador sus diferentes acciones; a los
integrantes del grupo Zaj, -formado en 1964 por Esther Ferrer, Juan Hidalgo y Walter Marchetti-, que aunque creado como grupo de música
de acción, contó con la participación de pintores, poetas y
artistas de diferentes disciplinas creativas. Zaj está claramente
influenciado por el artista y compositor John Cage y el movimiento
artístico Fluxus; o Isidoro Valcárcel Medina que ha hecho de su
actividad artística una trayectoria vital, siendo un artista
comprometido socialmente, que se aleja de la burbuja económica del
arte. Ya desde los Encuentros de Pamplona de 1972 comienza a
desarrollar ese papel social del arte, basándose para ello
principalmente en el arte de acción, y otorgándole al público el
papel de coautor. Podemos entender su filosofía con esta frase: “El
arte es una acción personal que puede valer como ejemplo, pero nunca
tener un valor ejemplar".
En Asturias, la Performance Art tuvo un
representante de peso en panorama artístico nacional. Se trata de
Nel Amaro. Fallecido en 2011, fue poeta visual, novelista, dramaturgo
y performer, miembro de la Academia de la Llingua Asturiana y
considerado uno de los impulsores del Surdimientu, también dirigió
las revistas Sapiens y El cuélebre. Artista inclasificable como él
mismo decía:
"Creo que todo lo que hago viene a
ser lo mismo: teatro, poesía, narración o performances, pero claro
está, los criticos, los profesores, periodistas y hasta los vecinos
y amigos prefieren siempre simplificar, etiquetar y reducir,
catalogar en definitiva."
LABoral ha decidido dar un papel
relevante a la performance en su programación y para ello ha
auspiciado la creación de una red dedicada al fomento de la teoría
y la práctica de la misma, incentivando la investigación, la
reflexión y la colaboración entre artistas y gestores de Asturias,
y poniendo el centro de atención en el territorio como elemento
identitario. Se trata de RASPA, Red Asturiana de Performance y
Acción.
Esta iniciativa aspira a situar
Asturias en un lugar de relevancia dentro del estudio de la
performance y de su desarrollo teórico y práctico. El Centro de
Arte se coloca así en el papel de mediador, facilitando espacios,
colaboraciones y poniendo en valor a los diferentes agentes que se
dedican a la performance en Asturias, con idependencia de su
tipología. Durante 2015 se pondrá en marcha esta nueva red,
llevándose a cabo en LABoral un programa de actividades centrado en
las líneas temáticas que relacionan cuerpo y performatividad, que
dé cabida a cada uno de los agentes implicados, así como al público
interesado o a expertos en la disciplina.
Paraíso Local Creativo/Imagen: Fredy F.
En este momento, RASPA está formada
por diversos artistas y colectivos: la Asociación del Atenéu Nel Amaro, que nació con el objetivo de difundir y promover la figura
del artista multiciplinar, así como los estudios e investigaciones
dedicados a su figura; el Colectivo Artistas Independientes (CAI),
que reúne a artistas de cualquier procedencia y modalidad creativa
con la intención de incentivar el trabajo colaborativo, apoyar la
creación, difusión, investigación artística y la educación del
público, dinamizando la escena artística local; y el espacio
colectivo autogestionado Paraíso Local Creativo, en el que se
desarrollan proyectos artísticos colaborativos y multidisciplinares.
En los próximos meses debemos marcar
en el calendario tres citas:
- Del 7 al 29 de marzo se llevarán a
cabo un ciclo de talleres para la formación en performance llamado
Cuerpos, identidades y territorios. El el colectivo Paraíso Local
Creativo el organizador de esta actividad que pretende transmitir la
consideración de la performace como una herramienta de
transformación social y política, acercándola al público, creando
lazos entre los diferentes participantes y estableciendo procesos
creativos conjuntos. Estos talleres serán impartidos por los
creadores Ánxel Nava, Anto Rodríguez y María Rodríguez Suárez.
Colectivo Nel Amaro/Imagen: cortesía del colectivo
-Del 4 al 17 de mayo se desarrollarán
el IV Alencuentru con Nel Amaro. LABoral, a través de RASPA ofrece
una residencia artística de una semana de duración en el pueblo
asturiano Columbiel.lo, que se encuentra en las inmediaciones de Pola
de Lena. Allí, desde 2012, gracias al esfuerzo de familiares y
amigos del artista, los Encuentros de Performances de Pola de Lena,
que Nel Amaro y Abel Loureda pusieron en marcha en los años 90,
vuelven a ser una realidad. Durante estos siete días, creadores de
diferentes procedencias artísticas y geográficas colaborarán para
la realización un trabajo colectivo, y además, se podrá disfrutar
de exposiciones, talleres para niños y adolescentes, presentación
pública de performances y de la revista Caminada, entre otras
actividades.
-Del 15 al 30 de septiembre, la
performer Marta Medina Álvarez realizará una residencia en las
instalaciones de LABoral para seguir desarrollando su proyecto Mov.
Ámate Ur.0x. Esta residencia está organizada por el Colectivo de
Artistas Independientes y tiene como objetivo el encuentro con los
diferentes participantes de RASPA para generar colectivamente una
presentación pública a partir de la experiencia vivencial de la
pieza Mov. Ámate Ur.0x. En ella se pondrán en juego todos los
recursos expresivos, escenográficos y comunicativos de las
diferentes tipologías del arte de acción, y será Marta la que haga
de conductora de la experiencia. Tanto el proceso creativo como el
resultado final serán recogidos en un vídeo que servirá como
documento y herramienta para el análisis de la obra.
Marta Medina Álvarez/Imagen: cortesía de la artista
2015 es el año en el que nace RASPA,
Red Asturiana de Performance y Acción. Una red que quiere ser punto
de referencia nacional sobre teoría y práctica de la Performance
Art, que cuenta ya con los ingredientes para conseguirlo. También puedes leer este artículo en la web de LABoral. En #LABlog. English version.
Hace ya más de dos meses, el primer post lo escribimos días antes de Semana Santa, Almudena
y yo nos pusimos manos a la obra con #MuseosPro. Y no solo
nosotras, desde el primer momento la iniciativa ha sido
colaborativa. Os consultamos sobre cada nueva acción a llevar a
cabo, desde el hashtag, hasta la periodicidad de los debates. Desde
el horario, hasta el nombre del proyecto. Por ello, #MuseosPro es
de todos nosotros. Por nuestra parte, el trabajo, que ha sido mucho,
consistió en darle forma y materializar la plataforma para que todos
pudiéramos aportar.
#MuseosPro acaba
aquí y mirando hacia atrás, valorando pros y contras, no puedo
estar más contenta. Muchos días lo he odiado: más de diez horas
delante del ordenador, cientos de correos con Almudena para acordar
cualquier mínimo detalle, numerosas reuniones por skype entre
nosotras y con nuestro patrocinador BAU app... Pero ahora, ya pasado,
creo que ha sido verdaderamente enriquecedor. Para mí personalmente
muchísimo. He aprendido a velocidad récord las labores básicas de
community manager, a organizar ideológicamente una web, a gestionar
los contenidos, a darle lógica a una idea que me pasó por la cabeza
y lancé al aire durante la #MuseumWeek, sin saber que se
convertiría en una colaboración en la que se implicarían tantos
profesionales
Sé que hay
detractores, nunca llueve a gusto de todos, pero por mi parte, aún
sabiendo que existen cosas mejorables, estoy convencida de que hemos
cumplido los objetivos que nos proponíamos: sacar a la luz las
problemáticas que los trabajadores de museos y museólogos tenemos a
la hora de trabajar o de buscar trabajo; aportar experiencias y
reflexiones sobre temas como formación, contratación, etc;
compartir visiones acerca de qué debería de ser el trabajo en un
museo, cómo se debería distribuir, qué características debe tener
un equipo de trabajo, cómo se debería configurar, qué perfiles
debe contener, etc; hacer autocrítica, mirarnos a nosotros mismos
para ser conscientes de nuestros fallos y poder corregirlos...
En todo esto,
Almudena y yo hemos actuado como directoras de orquesta, poniendo por
supuesto nuestro granito de arena en forma de opiniones, posts,
experiencia y formación personal que pudiera, al compartirla,
hacernos ver problemáticas o puntos fuertes de este ámbito. Pero
no puedo estar más orgullosa de los posts escritos por nuestros colaboradores. A cuál mejor. Todos llenos de coherencia, ilusión y
ganas de mejorar nuestro terreno de trabajo. Alimentándose los unos
de los otros. Todos de todos. En mi opinión, no solo hemos cumplido
con las expectativas: las hemos superado con creces. Hemos creado una
red, y no una cualquiera. Esta red se basa en el respeto mutuo,
en la profesionalidad, en las ganas de compartir para mejorar lo que
es una situación común y verdaderamente preocupante. ¿No es
para sentirse feliz?
La participación ha
sido asombrosa: nos hemos movido entre los 1715 tuits del primer
debate, el de mejores resultados, a los 570 del último, en el que se
experimentó una caída considerable y que asocio a la temática del
mismo y al cansancio tras un mes de colaboración y de trabajo
voluntario. La transcendencia de los debates y de la iniciativa en
general, ha sido muy considerable. Desde España hasta latinoamérica,
profesionales, instituciones y empresas, se han unido en diferentes
formas: dando difusión en sus perfiles, aportando textos,
participando activamente en los debates.
Cómo no, también
hay que valorar los resultados menos alentadores. Me refiero a
la escasa participación de instituciones museísticas. Algunas de
ellas han dado difusión al proyecto desde sus perfiles, cosa que
agradezco de corazón, pero no han participado en los debates de
forma significativa. Creo que en ello nosotros tenemos parte de
culpa. El horario no era el más apropiado, ya que de 19 a 21 horas
los CM's ya han terminado su jornada laboral y nadie les puede exigir
que se unan sacrificando horas de descanso. Pero es cierto que esto
me deja un sabor agridulce. ¿Nos han leído? ¿Han escuchado
nuestras preocupaciones, críticas y las diferentes soluciones que
proponíamos? ¿Sacarán conclusiones de las mismas? Espero que sí.
Tengo confianza en ello.
Como resumen, estos
son los puntos claros que he sacado:
Un museo necesita personal
cualificado en su propia área, con conocimientos básicos en
museología (puesto que trabaja en un una institución con unas
características propias) pero, lo más importante, con una mente
abierta, preocupada en aprender, renovarse y colaborar.
El museo ideal debería contar con
una estructura lo más horizontal posible, en la que los
departamentos trabajen de forma transversal, enriqueciéndose los
unos de los otros y evitando a toda costa el aislamiento.
Se necesita y debe promoverse por
parte de la institución, la formación continua de sus trabajadores
para estar al tanto de las últimas tendencias, estudios y modos de
hacer.
Necesitamos formación específica
de calidad y en contacto con la realidad. Profesores que tengan
formación teórica y práctica, que estén al tanto de lo que
ocurre en el momento presente y que formen a profesionales, no a
ratones de biblioteca.
La sobreformación teórica como
respuesta a la falta de salida profesional.
La universidad y los museos
deberían establecer relaciones y acuerdos para que las prácticas y
las necesidades que surjan desde la institución, sean cubiertas por
la cantera que se está preparando.
Las prácticas formativas no son
un trabajo. Los museos no deben valerse de ellas para suplir al
profesional que no pueden (o no quieren) contratar. Deben
comprometerse en formar a través del trabajo cotidiano.
Pedimos transparencia en procesos
de contratación y de concesión de becas, en base a las necesidades
del puesto y al currículum del candidato. Basta de puestos dados a
dedo. Más aún si hablamos de museos públicos.
Aumento de la externalización de
servicios, sea a empresas o autónomos, para cubrir plazas que
deberían ser de acceso público y democrático. Normalmente estos
servicios se entregan a dedo.
Sobrecarga de trabajo en un mismo
profesional a causa de los recortes y/o la desviación de fondos.
Precarización del trabajo.
Sueldos por debajo de la categoría profesional.
Personal sobreformado en puestos
básicos con sueldos mínimos.
Adecuación de las oposiciones
(que no salen desde 2009) a la realidad de los museos y de los
profesionales que se están demandando. Procedimientos absolutamente
obsoletos.
Redes de profesionales, como las
asociaciones, que se comprometan con la sociedad, con los mismos
profesionales, y que establezcan relaciones de cooperación con los
museos. Para ello, necesitamos de compromisos reales y sólidos, de
dentro hacia afuera y en sentido inverso.
Proliferación de redes
espontáneas y virtuales que hay que fomentar y promover.
Por todo ello, en mi
opinión, #MuseosPro ha servido para sacar a la luz
nuestras preocupaciones, nuestras necesidades, nuestras ilusiones y
nuestras posibles soluciones. Ha creado comunidad y ese es el mayor
logro. Esta relación que hemos establecido, basada en la
confianza, debería servir para sentar las bases del camino que
queremos seguir y establecer acciones al respecto. Todavía no
sabemos cómo. De momento el proyecto acaba aquí, pero seguimos con
ganas de avanzar, de colaborar con vosotros y de seguir marcándonos
retos conjuntos. La manera no se sabe aún. Es cuestión de ponernos
a pensar entre todos.
Espero no dejarme
nada en el tintero... Millones de gracias a todos los que, de una u
otra forma, habéis participado. Ha sido un auténtico placer
compartir tanto con vosotros.
Más o menos una semana después de
haber lanzado la convocatoria, habiendo leído vuestras propuestas y
habiéndolas contrastado con las nuestras, Almudena y yo hemos
concretado varios puntos. Hemos querido aclarar qué queremos
conseguir con esta iniciativa tuitera. Pues bien, queremos poner
sobre la mesa la situación actual de los museólogos, trabajadores
de museos y agentes afines. Esto no es hablar sobre museos sino algo
más especifico: es hablar sobre las personas que hacen posible que
los mismos existan y se gestionen (con más o menos éxito).
Cierto es que el tema es muy concreto,
pero en este momento es el que nos interesa a nosotras, y por la
respuesta recibida, creemos que a muchos de vosotros también. Por
ello, seguimos contando con vosotros para construir este debate.
Bien, pues los puntos que ya tenemos
establecidos son los siguientes:
El HT: todos queríamos uno más
corto y fácil. Barajando las opciones y teniendo en cuenta que
además lo usaremos como título para el blog que recoja toda la
iniciativa el elegido es #MuseosPro.
Fecha y duración: el debate
tendrá lugar todos los jueves de junio (cuatro) de 19 a 21 horas.
Creemos que con dos horas de charla se podrán tratar largo y
tendido los tema propuestos en cada sesión. Nos decidimos por junio
por ser un mes lo suficientemente cercano para que nada de lo
propuesto pierda fuerza, y lo suficientemente lejano para poder
organizarnos e implicar al mayor número de personas e instituciones
posible.
Invitamos a todos los bloggers que
les interese a participar activamente con posts en sus blogs y
estamos estudiando la forma idónea de conectarlos todos y
relacionarlos entre sí.
El blog #MuseosPro se abrirá en
mayo. Durante este mes contendrá posts que vayan explicando cada
tema y el funcionamiento de la iniciativa. Cuando llegue junio,
además, se incluirán los posts que resuman cada sesión y
reflexionen sobre ellas.
Nos ayudaremos de redes como
LinkedIn o Google+ para la difusión del evento y los contenidos
generados durante el mismo.
Aún siendo una charla abierta a
todo aquel que se quiera incluir, debemos tener en cuenta que los
principales interesados y conocedores de la temática somos los
trabajadores de museos, las instituciones, las empresas
colaboradoras y profesionales independientes. Queremos una visión
completa del sector en cuestión.
Aún quedan cosas por perfilar, pero
este es el primer paso. Esperamos vuestra colaboración y
participación.
Como cuenta en este postAlmudena López Molina, la semana pasada mientras participábamos en la #MuseumWeek, iniciativa en twitter, en la que durante una semana museos de varios países europeos (entre ellos España), se me ocurrió casi como anécdota, organizar una #MuseumProfessionalsWeek. Si es verdad que dije que sirviera para incentivar la contratación, pero claro, no era una propuesta en firme. Era más que nada, un comentario. En cualquier caso, fue genial encontrar respuesta inmediata en Almudena que se puso manos a la obra con ese post que habéis leído. Hoy en twitter ha comenzado el debate/organización de la propuesta. Estamos en marcha y os invitamos a todos a participar.
Bien, lo primero, creo, es organizar el formato: según hemos visto tras la #MuseumWeek, una semana entera dedicada a diario podría resultar contraproducente, pesada e incluso perdernos en la búsqueda de nuestro objetivo. ¿Sería mejor, entonces, concretar un día de la semana y una hora para comenzar el diálogo?
Segundo: ¿cuáles son nuestros objetivos?
-Definir el perfil profesional del trabajador de museo, en sus diferentes departamentos y funciones.
-Dar luz a las vías para acceder a un puesto de trabajo para museólogos y profesionales de museos.
-Hacer partícipes a todos los agentes. Debate abierto a todos los profesionales que deseen aportar ideas en una situación de crisis y un entorno complejo.
-Fomentar el debate entre profesionales (con trabajo remunerado o sin él) para que las diferentes visiones y propuestas enriquezcan la labor de todos ellos.
-Incentivar las iniciativas comunes entre los diferentes agentes (profesionales de instituciones, profesionales independientes, gestores culturales, educadores, etc).
-Usar las herramientas a nuestro alcance para dejar constancia de la iniciativa y de los resultados. ¿Un blog, por ejemplo?
-Poner sobre la mesa las debilidades y fortalezas del sector. Promover un debate sin complejos y sin autocomplacencia. La crítica constructiva y autocrítica como lema.
Tercero, elaboración de la iniciativa y el plan de acción de forma conjunta entre todos los interesados.
Cuarto y último, puesta en común de las conclusiones y evaluación de los resultados. ¿Habrá alguien dispuesto a publicarlos más allá de nuestros propios blogs?
Hace más de una año, en otra de las interesantes charlas que se dan en twitter, unos cuantos (ahora no recuerdo bien quiénes eramos, pero bastantes), decidimos montar #MuseumRevolution, que básicamente quedó en un conjunto de buenas intenciones sin continuación. Eso sí, aún tenemos nuestro grupo privado en Facebook. Con #MuseumProfessionalsWeek nos empeñaremos en que no ocurra lo mismo.
Pues esto es todo. Más o menos lo que contaba Almudena en su post. ¿Comenzamos? Podéis ir dejando vuestras impresiones, sugerencias, ideas, en los comentarios de cualquiera de los dos posts. Almudena y yo (aún no sé cómo), iremos organizando la información para hacerlo realidad cuanto antes.
#MuseumProfessionalsWeek, #MuseumPrefessionalsDay, #MuseumProfessionalsHour... cualquiera, pero ya. Es necesario, nos divierte y nos motiva.
Los que sois habituales de este blog conoceréis de sobra la obra de paupac azul, el colectivo artístico transmedia formado por Paula Susaeta y Paco Trinidad del que ya escribí un artículo en diciembre de 2012. Sus obras me atraparon desde el primer momento. La delicadeza, la contundencia, la actualidad, los sentimientos compartidos, convierten sus vídeos en un manual de los estados anímicos, soñados, deseados, del hoy, del nosotros.
Hace aproximadamente dos meses, Paula y Paco se pusieron en contacto conmigo para ofrecerme una colaboración en su siguiente iniciativa. Se trataba de transformar, intervenir, su nueva obra: #26tiempo. Para este proyecto colectivo contarían también con Nuria García, Naiara Valdano y María Sánchez. De este modo, las cuatro, pasaríamos de hablar de arte a hacer arte, y creedme, esto es un verdadero reto pues, exceptuando a María, ninguna de nosotras somos creadoras.
No lo pensé ni un momento. Dije que sí y acto seguido, me entró el pánico. Ideas no me faltaban, de hecho tenía cientos, pero, ¿cómo darles forma? No tengo conocimientos de edición de vídeo y mi pc es prácticamente una chatarra... Para colmo, cuando nos pasaron su obra terminada, y como era de esperar, me gustó tanto, es tan perfecta, redonda que ¿cómo tocarla sin romperla? En mi imaginación, intervenir el paupac era, más o menos, como escalar el Everest. Os prometo que tuve miedo de no ser capaz...
Bien, pues como Damien Hirst, busqué quien hiciera materiales mis ideas artísticas. Pregunté a unos y otros. Instalé un programa de edición de vídeo en el pc que a cada segundo se quedaba colgado... Y llegó el día de entregarlo. Sí, salió, y estoy contenta con el resultado. Muy contenta. No pretendo ser una artista transmedia, ellos lo hacen demasiado bien, pero el resultado de este proyecto, los #5paupacs en loop, han quedado tan bellos, que no puedo estar más orgullosa del genial equipo que hemos formado los seis.
Cómo no, también presentamos el proyecto a nuestros amigos y colegas. Fue el día 13 de junio, en Biográfica, estudio de diseño madrileño que nos prestó el espacio. Fue una noche muy especial, en la que estuvimos arropados por muchas personas, unas ya queridas y otras recién conocidas pero que ya forman parte de esta red de intereses e inquietudes, que se acercaron haciendo un hueco en su ajetreo diario y compartieron con nosotros sus opiniones y algo para beber.
El día 10 de noviembre tuvo lugar la inauguración simultánea de las exposiciones que conforman el proyecto #ArteCotidiano. La idea nació de la asociación cultural cacereña @lemonycoco, que nos ofreció la oportunidad de participar a diversos comisarios (no sé si añadir "noveles"), organizando las exposiciones en distintas ciudades españolas.
"Arte Cotidiano" pretende acercar la obra de jóvenes artistas al público en general, sacándola de los espacios expositivos habituales, descontextualizándola e introduciéndola en negocios de barrio y pequeños comercios como floristerías, peluquerías o tiendas de ropa. Con ello también se pretende impulsar a estos pequeños negocios, darlos a conocer, y de camino como no, hacer lo mismo con los comisarios. 3 patas para un banco, eso es.
-Gijón, donde la comisaria fue Semíramis González, que a través de la asociación cultural "Grito", ha organizado una exposición colectiva en diferentes tiendas de ropa (Alouette, Daniela Sierra, Marisa del Castillo, Tamar, It, Scalpers, Trench y Toscana) contando con los artistas Begmont, Breza Cecchini, Elisa Torreira, Rocío Pinin y Rodrigo Martín.
-Granada, siendo yo la comisaria (@Via_di_uscita). Escogí para este proyecto al pintor y grabador Juan Jesús Dueñas Ruíz y la exposición tiene lugar en la peluquería Esperanza Muñoz.
Me decidí por Juan Jesús por tener una obra que trabaja de manera concienzuda, perfeccionista en cada milímetro, cuidada. La técnica y realización es de 10, pero no sólo eso, es un artista que investiga sobre técnicas de grabado no tóxico como el collagraph, sin olvidar la transmisión de sensaciones, la expresión que fuera de lo técnico, aporta a la obra. A través de la abstracción está buscando su propio lenguaje, analizando el poder de comunicación de la línea, el color, la mancha.
Las obras elegidas no sólo fueron grabados. También seleccioné 5 obras pictóricas de técnica mixta. El espacio expositivo, la peluquería Esperanza Muñoz, aún sin ser muy amplio, ofrecía buenas posibilidades por estar bien compartimentado, lo que me daba la oportunidad de hacer nudos temáticos, no sólo por estética o técnica, sino también, un recorrido prácticamente narrativo: desde sus primeras ideas sobre lo abstracto, hasta las obras donde ya domina la abstracción, e incluso, se vuelve a acercar a la representación de lo real. Por otro lado, la luz podía ser dirigida en muchos de los puntos que más me interesaban, consiguiendo así acentuar las características de algunas piezas. Por último, me parecía indispensable colocar un texto de pared en la primera "sala" que orientase y explicase a los clientes qué significaba la exposición y el proyecto.
El montaje nos llevó 3 días y, la verdad es que fue muy divertido ya que, mientras montábamos la peluquería estaba abierta al público, por lo que aprovechábamos para charlar y explicar la exposición a todas las clientas que se interesaban, y de camino, invitarlas a la inauguración.
Quiero dar las gracias de manera muy especial a Esperanza Muñoz que, desde el primer momento, no sólo cedió el espacio para el proyecto y colaboró en todo, sino que además, a mostrado el mismo entusiasmo e ilusión que Juan Jesús y yo. Verdaderamente ella es de las personas que más está disfrutando con "Arte Cotidiano".
Próximamente en el blog del proyecto podréis ver todos los vídeos de las inauguraciones y desde ya, lo podéis consultar para informaros de todos los artistas, sedes y comisarios.
"Arte Cotidiano" ha sido una experiencia realizada sin patrocinadores ni subvenciones de ningún tipo. Todo lo hemos hecho a base de trabajo y esfuerzo por parte de los implicados, y quizá por ello, es de los trabajos más gratificantes que en mucho tiempo he llevado a cabo.
En esta semana tendréis mi nuevo post. Mientras tanto, os dejo un vídeo que han realizado las chicas de @laexpoexpandida, para el encuentro #Arteyuncafé que se celebrará en Madrid el próximo 17 de Febrero. ¡Espero que os guste!:
Como ha quedado demostrado a través de las diferentes salas de la Exposición Expandida, la ciudad es, desde sus inicios, el lugar donde la persona se relaciona socialmente, comprende la realidad en todos sus aspectos, crea sus códigos de comportamiento, éticos, morales, etc. Por ello, la ciudad será además, donde se discute, se lucha, se critican conceptos que habían sido válidos hasta un determinado momento, para que sea ella misma, la que avance hacia un nuevo código de comportamiento.
A finales de los años 60 del siglo XX hubo un despertar de conciencias en la juventud de un mundo cada vez más globalizado. Acontecimientos históricos como la guerra de Vietnam consiguieron que estos jóvenes criticaran y pusieran en tela de juicio conceptos hasta entonces aceptados y que regían el comportamiento común. Es el nacimiento de los movimientos como el estudiantil, hippie, pacifista, el punk y el momento en el que saldrán a la palestra las reivindicaciones de los grupos minoritarios, los cuales, no se sentían representados en el espacio público, como los negros y chicanos en Estados Unidos, o las feministas.
Guerrilla Girls
La mujer, tratada como minoría, no en número, claro está, pero sí en peso y representación social, alzó sus reivindicaciones contra la opresión machista que estaba sufriendo, no sólo en la escena pública, sino también, en el ámbito privado y familiar. Las feministas querían y quieren, cambiar la realidad desde sus más ancestrales y atrasados conceptos. Gritan que la sociedad patriarcal y los valores dados culturalmente a lo masculino y femenino están obsoletos. Es necesario reinventar la realidad para que el ser humano, sin que importe el género, pueda desarrollar todo su potencial, sea en el ámbito público como en el privado. No buscan la supremacía femenina, sino la igualdad de géneros. En palabras de Celia Amorós, filósofa y teórica feminista:
"Las mujeres tenemos todavía mucho que pensar y dar que pensar para salir del lugar de lo no-pensado. Del lugar del no-reconocimiento, de la no-reciprocidad, por tanto, de la violencia. El feminismo (….) es un proyecto de reconstrucción de la realidad social sobre la base de nuevos e insólitos pactos… Pactos donde lo pactado –y, por ende, lo excluido como sujeto activo del pacto– no fueran las propias mujeres como genérico. Una sociedad, en suma, no constituida por pactos patriarcales”.
Las feministas usaron el arte como medio de transmisión, crítica y revisión de ideas. No es de extrañar la elección de la performance. Un medio de expresión artístico que era vanguardista y experimental en ese momento, y que tenía la virtud de hacer partícipe al público, de impactar, de transgredir, lo que iba en total consonancia con sus intenciones, siendo además, un arte efímero, realizado en un lugar e instante concretos, características que le hacían difícilmente institucionalizable.
Esto nos lleva a una paradoja: ¿se puede hacer una exposición de un arte “instantáneo”?. La respuesta es no, así que esta muestra, como las “reales”, usará las fotos y vídeos de esas acciones. La única cosa material que queda de ellas. Su recuerdo.
Estas artistas abanderaron el lema feminista “lo personal es público”, y denunciaron en sus performances temas como la violación o el maltrato. También, como dueñas de su cuerpo y en total autonomía, lo alejaron del lastre del cuerpo-objeto sexual, para convertirlo en cuerpo-sujeto, transformarlo, e incluso mutilarlo. Mi cuerpo es mío y a través de él me libero de la condición de oprimida. En este sentido, la performance feminista diluye los límites con otras manifestaciones artísticas que, en aquel momento, eran también experimentales como la vídeo-creación o el body art.
Las acciones tienen lugar en contextos urbanos, bien en la misma calle o en instituciones culturales, como universidades, galerías de arte o museos, siempre que éstos dieran libertad de actuación y significado.
Esther Ferrer “Se hace camino al andar” Río de Janeiro 2007
Una de las máximas preocupaciones de estas creadoras es la interacción con el público, pues es la manera de hacerlos partícipes de sus denuncias, de transmitir sus ideas. Éste en ocasiones participará incluso sin saber que formaba parte de una obra de arte. Otras, el asistente comparte y apoya el discurso expuesto, colaborando activamente.
Emma Villanueva “Pasionaria” Ciudad de México 2002
Deliberadamente las artistas feministas situaron sus obras en su experiencia social como mujeres y partieron de la aceptación de que la experiencia femenina es diferente a la de los hombres pero igualmente válida, aunque para ello, debían de redefinir la “identidad”. Se debía redefinir la palabra mujer, y no sólo como individualidad, sino como colectividad.
Numerosas artistas han seguido esta senda. A continuación hablaremos de algunas de ellas. Sus obras van desde las acciones más críticas y radicales, hasta la poética de las imágenes, por ello, si bien podemos dividir estas performances en diferentes tipos, como las que denuncian abusos, las que son una búsqueda y reivindicación del yo individual, las que transforman el cuerpo y experimentan con él o las que realizan metáforas mujer-madre tierra, en muchas ocasiones será difícil de concretarlas en un solo grupo, ya que se pueden dar varios tipos en una sola obra, o bien, saltos de uno a otro en la producción artística de una misma mujer. Conviene señalar que algunas de las siguientes imágenes y vídeos pueden herir la sensibilidad del lector/espectador.
Marina Abramovic (Belgrado 1946): Se ha llamado a sí misma “la abuela de la performance”. Desde sus primeras obras, en los años 70, Marina investiga a través de su propio cuerpo sobre la esencia del “ser” y la conexión entre cuerpo y mente, llegando a automutilarse. Ha reflexionado sobre el hecho artístico, la obra y el artista. En sus performances la interacción con el público es primordial, en algunos casos, dejándose hacer por él a su antojo. Busca un método que a través del arte, haga a la gente más libre.
“Rhythm 10” 1973
“Art must be beautiful, Artist must be beautiful” 1975
“Rhythm 0” 1974
Valie Export (Linz 1940): En sus comienzos artísticos colaboró con los accionistas vieneses a los que abandonó por considerar que sus performances perpetuaban la idea machista de inferioridad de la mujer. Sus acciones reclaman la libertad individual, la crítica a la sociedad patriarcal, la reinvención del rol femenino desde la libertad e igualdad con el hombre. Sus obras han sido de las más radicales, haciendo al público partícipe de ellas de forma inconsciente, corroborando e ironizando sobre los roles del macho dominante.
“Genital Panic” Múnich 1969
En esta obra, Valie vestida de lo más punk, entraba en un cine X de Múnich, cargada con una metralleta en mano (símbolo fálico) y con la zona púbica al descubierto, gritando al público que había unos genitales femeninos disponibles y que podían hacer con ellos lo que quisieran:
"Pasé de fila en fila, lentamente, mirándoles a la cara. No me movía de modo sensual. Cuando avanzaba de fila, la metralleta que llevaba colgada del hombro apuntaba a la cabeza de las personas sentadas en la fila anterior. Tenía miedo y no tenía ni idea de qué podían hacer. A medida que iba descendiendo por la platea, las personas que ocupaban las filas anteriores se levantaban y salían del cine. Fuera del contexto de la película, les resultaba totalmente distinto establecer una conexión con ese símbolo erótico" . Valie Export, entrevista con Ruth Askey 1981.
“Touch cinema” Múnich 1968
Acompañada por su pareja, Valie sale a la calle con el pecho desnudo metido en una caja con cortinas. Ambos animan a los transeúntes a meter las manos y tocar, pero sin mirar, como ciegos. La mujer es la que decide ser objeto e ironiza con las actitudes de los hombres que colaboran.
“Body configuration” Viena 1972-6
“Body configuration” Viena 1972-6
Suzanne Lacy (California 1945): Comenzó a trabajar en los 70 usando, desde la experimentación, la performance. Sus acciones están íntimamente relacionadas con la antropología, pues reivindica los intereses públicos de los grupos sociales con los que trabaja (mujeres, etnias, etc). Pretende hacer socialmente visibles a estas personas e indaga sobre la mejora de sus condiciones a través del arte de acción, por ello, la colaboración con el público es esencial. La denuncia de abusos machistas, la reflexión sobre el cuerpo femenino y cómo introducirlo en las esferas públicas y privadas, es uno de los temas recurrentes en su obra.
“In Mourning and In Rage” Los Ángles, 1977
Delante del ayuntamiento de Los Ángeles, se llevó a cabo esta performance denunciando las 10 violaciones de un criminal que seguía suelto y la manipulación informativa de algunos medios.
"Crystal Quilt Project " Minneapolis 1987
"Crystal Quilt Project " Minneapolis 1987
En este proyecto, Suzanne Lacy en colaboración con varias artistas, realizó un estudio que culminó el día de las madres. En una gran sala, 430 mujeres entorno a los sesenta años, conversaron de sus vivencias colocadas en sillas y mesas que dibujaban los motivos de un gran edredón.
Sigalit Landau (Jerusalén 1969): En esta artista multidisciplinar, su origen israelí deja una importante huella. En sus obras experimenta e investiga sobre las fronteras, no sólo geográficas, sino físicas y de identidad. Algunas de sus creaciones tocan de lleno el arte feminista, el accionismo vienés o el body art. La búsqueda de la concepción propia, de la individualidad, de la relación con el cuerpo (femenino) en lugares donde los conflictos bélicos anulan la personalidad, se convierte en poética y en transgresión a lo largo de su trayectoria.
“El comprometido acto de unir lazos entre vida y arte como un medio de comunicación directa acerca de las relaciones entre la identidad individual y colectiva, así como entre la experiencia personal y la situación sociopolítica de su país”. Katrin Steffen. Catálogo de "La Collection Nouveaux Médias", Pompidou 2006.
Ana Mendieta (La Habana 1948- Nueva York 1985): Exiliada de su país en 1961, Ana vivirá y se formará como artista en Estados Unidos, donde tomó contacto con la performance, la vídeo-creación, la fotografía y el body art. El cuerpo de la mujer, el suyo propio, será la obsesión en sus obras. Sirviéndose de él denuncia el maltrato machista, el abuso, la violación, pero al mismo tiempo, es un templo sagrado, el origen de la vida. En sus creaciones se preocupa más por el proceso y el material (su cuerpo) que por el resultado estético. Sus acciones abarcan cualquier tipología de arte feminista: crítica a la sociedad patriarcal y la exclusión de minorías, experimentación corporal, búsqueda de la identidad, metáfora mujer-madre tierra. Su obra es poesía en imagen. Es la artista feminista total.
"Untitled (body tracks)" 1982
"Glass on Body" 1972
“El árbol de la vida” e “Imagen de Yagul” años 70
“Rapes scenes” 1973
Film stills from "Untitled (Blood Sign #1)" 1974
Hoy en día la performance, sea de índole feminista o no, parece haber perdido la frescura, la originalidad y la personalidad que tenía en estos primeros ejemplos. El haberse acomodado a un lenguaje ya creado, o quizá, el haber sido totalmente incluido dentro de las instituciones artísticas, ha supuesto que se repitan fórmulas, estéticas, significados y contenidos, dando como resultado un arte frío, que deja en ocasiones, con la sensación de vacío. Como en todo, tenemos ejemplos que demuestran que todavía se puede seguir investigando, innovando, reinventando. El colectivo artístico multidisciplinar LRM performance (página oficial de LRM performance), continúa bebiendo de los grandes del arte de acción, pero al mismo tiempo, abren sus experiencias hacia un lenguaje propio, cuidado, elaborado (ir al canal vimeo de LRM performance).
Las feministas de los años 60 y 70, querían cambiar la realidad. ¿Lo consiguieron?. Miremos a nuestro alrededor: mujeres asesinadas por sus maridos casi a diario; otras que, aún teniendo trabajo, su jornada laboral no acaba cuando salen de él, sino que llegan a casa y vuelta a empezar, pues las tareas domésticas siguen siendo “una cosa de mujeres”; mujeres que cobramos menos por hacer mismo trabajo que un hombre, etc. ¿Y en el mundo del arte?. Hemos hablado hasta ahora desde el punto de vista de las creadoras, pero ¿y en el de la gestión?, ¿en los museos y galerías?, ¿en la enseñanza artística universitaria?, ¿se nos ha incluido dentro de la historia del arte o de cualquier otra historia?. Sí, es cierto que en plantilla suele haber más mujeres que hombres, pero ¿en los puestos de responsabilidad?. ¿Quiénes son las cabezas visibles de este mundo del arte?.
Ser feminista es simplemente aplicar la lógica, el sentido común. Y por supuesto, no es una cosa únicamente de mujeres, sino de la sociedad en su conjunto. No hace falta militar, solamente ser conscientes (hombres y mujeres) de lo que valemos, de que tenemos una voz que nadie debe acallar sea cual sea nuestro ámbito.
En el manifiesto “Riot Grrrl” (bandas punk feministas), se dice:
“Ser riot es hacer, pensar...como una mujer que quiere hacer valer sus derechos, que demuestra al mundo lo que sabe y, sobre todas las cosas, lucha”.
.jpg)
.jpg)
