Capítulo 24. IN MEDI TERRANEUM: VIDEOARTE CON OTRO ACENTO.

Durante los días 20 y 30 de noviembre y 1 de diciembre, se está celebrando de forma simultánea en 5 ciudades de 5 países del Mediterráneo y Latinoamérica, la tercera edición del festival de videoarte "In Medi Terraneum", que se plantea cuáles son los centros de producción artística mundial y cuáles las periferias, y si las periferias son éstas, demostrar que, también ellas, tienen voz. En esta edición, el festival está enfocado al desarrollo de nuevos discursos, a las posibilidades creativas que ofrece el soporte del vídeo, al proceso, más que a la obra final, y a la revisión de estereotipos sociales y culturales.

                             

Las sedes son: Córdoba (Argentina), Montevideo (Uruguay), Atenas (Grecia), Palermo (Italia) y Madrid (España).

La unión de estos lugares en un proyecto común da relevancia al pasado histórico compartido, a las influencias y flujos artísticos que, como los cantos de ida y vuelta, también en el videoarte existen. No debemos entender estas conexiones como algo del pasado, sino que, dentro de la cultura actual, del arte contemporáneo, y más concretamente del videoarte, hay mucho que aportar desde un contexto con personalidad propia. Acercar visiones, enfrentar lecturas, sumar matices a las realidades comunes del artista actual.

Autorritratto, Mariana Ferrato

En su sede madrileña, In Medi Terraneum tiene lugar en Intermediae-Matadero, donde ayer se presentó el festival, el proyecto "en la nube" Inmediacciones y las obras finalistas. Hoy podréis acudir durante todo el día para disfrutar de la jornada "videoactivismo urbano" y de la exhibición de las piezas seleccionadas. Mañana se clausurará el festival con una sesión de Vj's y Dj's y la creación de una obra híbrida en streaming directo con todas las sedes.

Star Wars, Daniel Silvo

Las obras, que fueron seleccionadas a través de una convocatoria pública y abierta en todos los países participantes, son:

Obras finalistas:

-Vert1Jete2, Calos Ramacciotti (Córdoba, Argentina 1990)

-Star Wars, Daniel Silvo (Cádiz, España, 1982)

-Autoritratto, Mariana Ferratto (Roma, Italia, 1979)

-Tre Momenti, Alexo Athanasios (Thessalonika, Grecia, 1987)

Menciones:

-Self Portrait, Francesca Arri (Asti, Italia, 1983)

-Del Vestir, Julia Martos (Córdoba, Argentina, 1989)

Podéis seguir el festival también en las redes sociales: twitter @InMediTerraneum y facebook: InMediTerraneum. Encontraréis los streaming de las 5 sedes en Inmediacciones.

Capítulo 23. RETRATOS DEL POMPIDOU Y GAULTIER: MIRANDO DENTRO PARA PLASMARLO FUERA.

Ya hace unos meses que acudí a la primera visita privada para bloggers en la Fundación Mapfre Cultura, en su sede del Paseo de Recoletos (Madrid). La última cita fue el pasado jueves 22 de noviembre y las exposiciones a visitar "Retratos: Obras Maestras del Centre Pompidou" y "Jean Paul Gaultier. Universo de la Moda: de la Calle a las Estrellas" (ambas hasta el 6/1/2013). Como siempre, es un placer asistir acompañados por Paula y Javier y por diferentes guías, y da gusto comprobar que a la iniciativa cada vez se unen más bloggers.

Modigliani "Retrato de Dédie 1918

El Recorrido comenzó por la planta baja donde inicia la muestra de los retratos del Centre Pompidou. Esta exposición ha sido comisariada por Jean-Michel Bouhours (Centre Pompidou) y nos da una visión del género del retrato a lo largo del siglo XX. Está compuesta por 80 obras, principalmente pintura, aunque también cuenta con esculturas y dibujos. 

Brancusi "Musa Dormida" 1910

El sentido de la visita está diseñado cronológicamente pero, es interesante resaltar, que existen ejes transversales que la articulan, como por ejemplo: "la sala de las mujeres". Comprobamos que el género del retrato sufre, a partir de la llegada de la fotografía, un cambio sustancial, pudiendo los artistas abandonar la copia fiel del modelo/naturaleza (mímesis) para dar rienda suelta a la subjetividad tanto del retratado como del propio artista. Se captarán rasgos psicológicos, se mostrarán todos los estratos sociales (prostitutas, trabajadores, artistas), se dejará salir la visión del artista, a veces crítica, del personaje que se retrata, representando la fealdad, en muchos casos.

Bacon "Autorretrato" 1971

Saura "Retrato Imaginario de Tintoretto" 1967

El gran peso de la exposición recae sobre las vanguardias históricas aunque se muestran obras fechadas hasta el año 2001.

El montaje es impecable, como siempre, pero me gustaría resaltar la iluminación que combina una luz ambiental, con la iluminación individual de cada pieza, sirviéndose de unos focos especiales que actúan con lentes parecidas a las de las cámaras de fotos. Éstas crean un efecto espectacular, consiguiendo que las  obras parezcan retroiluminadas, o quizá, proyectadas sobre la pared.

Currin "The Moroccan" 2001

Esta exposición tiene verdaderas obras maestras de grandísimos artistas, entre los que resaltaría a Modigliani, Picasso, Bacon, Tamara de Lempicka, Derain, Dubuffet, Saura, Giacometti, Currin, Brancusi...

Dubuffet "El Vigilante" 1972

"Estamos hechos de mil ojos. La ilusión es el yo que pretende ser uno" Jean-Bertrand Portalis

Decir que, en un principio, la exposición de J. P. Gaultier no me llamaba especialmente la atención. ¡Qué equivocada estaba!.

Comisariada por Thierry-Maxime Loriot y coordinada por Paula Susaeta, todo en esta muestra es un despliegue de ingenio, imaginación, creatividad y medios. Si alguien dudaba de que las tareas de comisariado, montaje de exposiciones o la propia moda, podían ser obras de arte, en ella cualquier objeción se disuelve. ¿Espectacular? Sí, lo es, y además arriesga, comunica, entretiene, divierte (¡mucho!)... No puedo ocultar que disfruté como hacía mucho tiempo.

La retrospectiva, al contrario que la exposición de los retratos del Pompidou, no se organiza de forma cronológica, sino entorno a unos nudos temáticos que mezclan desde sus primeros diseños  prêt-à-porter, aún en materiales digamos "pobres", con diseños de alta costura. En total más de 125 conjuntos que se acompañan con vídeos, bocetos, fotografías y obras (de A. Warhol o Cindy Sherman como algunas familiares del propio Gaultier) que nos meten de lleno en el universo creativo de este artista que sacó al mercado sus primeras prendas en 1976. Éstos nudos temáticos son: 

-La Odisea De J.P Gaultier

-El Tocador

-A flor de piel

-Punk Cancán

-Jungla Urbana

-Metrópoli

-Jean Paul Gaultier y Pedro Almodóvar

En cada uno de estos nudos los modelos siguen una lógica, un discurso. Nos encontramos con sus marineros. sirenas y vírgenes, la ropa interior sublimada y llevada al exterior, la colaboración de Jean Paul con el mundo de la música pop o la danza (todos tenemos en la cabeza los corsés con el pecho en forma de cono que hizo para Madonna y que la estrella luciría en diferentes tours), la influencia de las diversas tribus urbanas o la de culturas alejadas del mundo occidental.

Los maniquíes están vivos, nos hablan, Gaultier saluda al visitante, algunos hasta cantan y nos tiran besos. Cada sala, cada detalle está cuidado al milímetro, consiguiendo ambientes cambiantes, diferentes, desde un escaparate hasta una pasarela o un camerino. Cada tocado está realizado de forma artesanal por un pequeño negocio parisino que trabaja con el modisto, cada par de zapatos es único, como cada prenda del modisto, algunas de ellas, con más de 1000 horas de costura a mano.... Y así podríamos seguir hasta el infinito, pues la vista se pierde en la cantidad de pequeños y pensados objetos, obras, que ocupan cada espacio.

Como es normal, en la selección de obras se ha dado relevancia a esos modelos en los que el artista deja sentir la influencia española. Cuentan que aunque a él le horrorizaban los toros, cuando venía de vacaciones siendo un niño a España, procuraba ver los trajes de los toreros que tanto les fascinaban. Se expone, incluso, el osito de peluche al que hizo sus primeros diseños. ¡Ojó!, el sujetor cono ya lo diseñó con cartón para su osito Nana.

Sólo hay una cosa que no me gustó, y no fue exactamente de la muestra: ¡¡¡supe que algunas chaquetas y camisas de Kurt Cobain son creación de Jean Paul!!!! Lo siento, fue duro, destrozaron la imagen de mi ídolo adolescente ;).

"Creo que hoy día la manera de vestirse es una forma de expresión artística. Lo que hacía Saint Laurent, por ejemplo, era arte con mayúsculas. El arte está en cómo se pone el atuendo completo. Fíjese en Jean Paul Gaultier; lo que él hace es realmente arte". Andy Warhol

Cindy Sherman vestida por Gaultier  1983

Si queréis disfrutar de una exposición única, no dejéis de visitarla. El lugar es agradable, los trabajadores amables, y además, es gratuita la entrada. No hay excusas.

Muchas gracias y besos a Paula y Javier

Fotos cortesía de María Sanchez y Fundación Mapfre Cultura.

Capítulo 22. ARTE COTIDIANO.

El día 10 de noviembre tuvo lugar la inauguración simultánea de las exposiciones que conforman el proyecto #ArteCotidiano. La idea nació de la asociación cultural cacereña @lemonycoco, que nos ofreció la oportunidad de participar a diversos comisarios (no sé si añadir "noveles"), organizando las exposiciones en distintas ciudades españolas.

"Arte Cotidiano" pretende acercar la obra de jóvenes artistas al público en general, sacándola de los espacios expositivos habituales, descontextualizándola e introduciéndola en negocios de barrio y pequeños comercios como floristerías, peluquerías o tiendas de ropa. Con ello también se pretende impulsar a estos pequeños negocios, darlos a conocer, y de camino como no, hacer lo mismo con los comisarios. 3 patas para un banco, eso es.

Las 3 ciudades fueron:

-Cáceres, con Montaña Hurtado y Miki Gázquez como comisarios. La artista elegida ha sido la fotógrafa Beatriz Ballesteros y se ha llevado a cabo en la floristería "Naturadecor"

-Gijón, donde la comisaria fue Semíramis González, que a través de la asociación cultural "Grito", ha organizado una exposición colectiva en diferentes tiendas de ropa (Alouette, Daniela Sierra, Marisa del Castillo, Tamar, It, Scalpers, Trench y Toscana) contando con los artistas Begmont, Breza Cecchini, Elisa Torreira, Rocío Pinin y Rodrigo Martín.

-Granada, siendo yo la comisaria (@Via_di_uscita). Escogí para este proyecto al pintor y grabador Juan Jesús Dueñas Ruíz y la exposición tiene lugar en la peluquería Esperanza Muñoz.

Me decidí por Juan Jesús por tener una obra que trabaja de manera concienzuda, perfeccionista en cada milímetro, cuidada. La técnica y realización es de 10, pero no sólo eso, es un artista que investiga sobre técnicas de grabado no tóxico como el collagraph, sin olvidar la transmisión de sensaciones, la expresión que fuera de lo técnico, aporta a la obra. A través de la abstracción está buscando su propio lenguaje, analizando el poder de comunicación de la línea, el color, la mancha.

Las obras elegidas no sólo fueron grabados. También seleccioné 5 obras pictóricas de técnica mixta. El espacio expositivo, la peluquería Esperanza Muñoz, aún sin ser muy amplio, ofrecía buenas posibilidades por estar bien compartimentado, lo que me daba la oportunidad de hacer nudos temáticos, no sólo por estética o técnica, sino también, un recorrido prácticamente narrativo: desde sus primeras ideas sobre lo abstracto, hasta las obras donde ya domina la abstracción, e incluso, se vuelve a acercar a la representación de lo real. Por otro lado, la luz podía ser dirigida en muchos de los puntos que más me interesaban, consiguiendo así acentuar las características de algunas piezas. Por último, me parecía indispensable colocar un texto de pared en la primera "sala" que orientase y explicase a los clientes qué significaba la exposición y el proyecto.

El montaje nos llevó 3 días y, la verdad es que fue muy divertido ya que, mientras montábamos la peluquería estaba abierta al público, por lo que aprovechábamos para charlar y explicar la exposición a todas las clientas que se interesaban, y de camino, invitarlas a la inauguración.

Quiero dar las gracias de manera muy especial a Esperanza Muñoz que, desde el primer momento, no sólo cedió el espacio para el proyecto y colaboró en todo, sino que además, a mostrado el mismo entusiasmo e ilusión que Juan Jesús y yo. Verdaderamente ella es de las personas que más está disfrutando con "Arte Cotidiano".

Próximamente en el blog del proyecto podréis ver todos los vídeos de las inauguraciones y desde ya, lo podéis consultar para informaros de todos los artistas, sedes y comisarios.

"Arte Cotidiano" ha sido una experiencia realizada sin patrocinadores ni subvenciones de ningún tipo. Todo lo hemos hecho a base de trabajo y esfuerzo por parte de los implicados, y quizá por ello, es de los trabajos más gratificantes que en mucho tiempo he llevado a cabo.

!Disfrutadlo!

Vídeo de la inauguración de "Arte Cotidiano" en Granada

Capítulo 21. LRM PERFORMANCE: MOVIMIENTO, MÚSICA Y CAPAS DE LUZ.

Creo que soy de las pocas que ha tenido la oportunidad de asistir dos veces a la presentación del nuevo trabajo de LRM performance. Puedo decir, por ello, que he visto tomar forma al proyecto. Bueno, algo así. En cualquier caso, ha sido una suerte.

Trailer LRM

¿Cómo son las performances actuales?. Tras los años 60-70 donde las acciones iban cargadas de significados, reivindicaciones, transgresión, parecía que este tipo de manifestación artística se había sumergido en lo repetitivo, en la copia de fórmulas que habían tenido éxito, en lo aburrido. Las performances que en los 60 mostraban el cuerpo desnudo femenino como reivindicación del necesario paso mujer objeto-mujer sujeto, en su evolución hasta la actualidad, por su insistencia y carencia de un verdadero significado, habían reconvertido el cuerpo en reclamo: performance--->cuerpos desnudos (femeninos sobre todo)--->cuerpo objeto.

Lejos, muy lejos, de estos planteamientos se mueven ellos. La obra de LRM es una cuidada manifestación artística que incluye un elaborado montaje de luz, sonido y movimiento. Durante aproximadamente una hora, te adentras en una atmósfera extraña, ilusoria, de desasosiego que, sin embargo, sientes familiar. Tres personajes, no humanos, no animales, no máquinas o quizá, las 3 cosas, se mezclan y deambulan en un lugar (no lugar) en ocasiones desolador, a veces manso, siempre extraño. En la escena usan sonidos e instrumentos musicales/visuales procesados analógica y digitalmente así como prótesis para los movimientos, empastando las acciones con los elementos sonoros y visuales. Tu mente tiende a crear una historia: presentación, nudo, desenlace, pero los intentos se frustran, quedando las sensaciones, el desconcierto, la expectación. No quedas ajeno y eso es, justamente, lo que ellos pretenden.

Hablando con Berta, David y Maya, los componentes de LRM, entiendes que cada segundo de lo que se desarrolla ante ti, cada movimiento, sonido, material están pensados meticulosamente, al milímetro, ideados solamente para esta pieza, hasta el punto de tener que recorrer la ciudad buscando el plástico ideal, la máquina de humo exacta... Un trabajo durísimo hecho a base de mucho esfuerzo.

Os dejo una entrevista que les hicieron en febrero para que los conozcáis mejor (!pincha!).

En nuestra escena contemporánea deberían "tener lugar" obras como éstas, trabajadas, pensadas, cuidadas. Aquí seguimos creando. Sólo necesitamos que tú nos mires.